La feria del siglo XX de Independent, dedicada específicamente al arte de su período titular, se destaca como una especie singular en Nueva York. Ubicada en el Battery Maritime Building, en el extremo sur de Manhattan, la feria es estéticamente transportable, como caminar sobre el Queen Elizabeth II o asistir a una fiesta en la finca de Gatsby en West Egg antes de que la gente comenzara a ahogarse en alcohol.
La elegancia discreta del evento es parte integral del enfoque reflexivo que Elizabeth Dee, la fundadora de la feria, ha aportado al evento. The Independent (tanto esta feria como su homóloga que se celebrará en mayo) es solo para invitados. Las galerías son nominadas por el asesor curatorial fundador de The Independent, Matthew Higgs, con el aporte de las galerías participantes y el equipo de liderazgo de la feria. El resultado es medido con precisión, muy internacional y algo estudioso, pero no sin vitalidad o glamour. Eso no es poca cosa para un evento que cuenta con solo 28 galerías y muestra exclusivamente obras realizadas entre 1900 y 2000.
Entre las ventajas de celebrar el evento en un edificio histórico de estilo Beaux-Arts se encuentra la llamativa fachada y la zona de los balcones. Pero lo que llama la atención son las obras de arte que se exhiben en el interior, colgadas en paredes blancas sobre una alfombra dorada y azul. Estos son algunos de los mejores stands que se exhibirán en la tercera edición de Independent 20th Century.
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Stuart Davis en la Galería Alexandre
Crédito de la imagen: Cortesía de Alexandre Gallery
Aunque conocido por sus abstracciones jazzeras, Stuart Davis comenzó su carrera a los 17 años como alumno del director de la Escuela Ashcan, Robert Henri. Las obras que se exhiben aquí muestran a Davis, un joven que acababa de abandonar la escuela para estudiar pintura y que se sumergió en el agitado Manhattan, donde experimentó la música ragtime junto a sufragistas, socialistas y bailarinas de burlesque. Toda la vitalidad y la música de la obra posterior de Davis están presentes, pero aquí existen en una forma figurativa que lleva el sello distintivo de la pincelada rápida e improvisada de la Escuela Ashcan.
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Squeak Carnwath en la galería Jane Lombard
Crédito de la imagen: cortesía de Jane Lombard Gallery
En las obras que se muestran aquí, todas ellas de los años 90, Squeak Carnwath mira hacia dentro, utilizando formas, símbolos y palabras que se rayan o se manchan sobre un lienzo. El objetivo de estas obras es crear un diario visual de sus pensamientos. El trabajo de Carnwath es jazzístico, muy parecido al de Davis, pero el de ella es más libre: menos Charlie Parker y más Roland Kirk o Charles Mingus. Mingus, de hecho, es una comparación útil. Sus melodías a menudo se descontrolaban hasta que se las controlaba, se las organizaba y se las hacía digeribles. El trabajo de Carnwath es similar. Uno puede perderse en los detalles, pero si se da un paso atrás por un momento, la canción entera cobra sentido.
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Raoul Dufy en Nahmad Contemporary
Crédito de la imagen: Alexa Hoyer, cortesía de Nahmad Contemporary
En su época, el pintor francés Raoul Dufy era un peso pesado: estaba representado por Louis Carré, el mismo marchante que también representó a Matisse y Picasso, y en 1952 recibió el gran premio de pintura en la 26ª Bienal de Venecia. Tal vez no tenga el mismo reconocimiento de nombre que Matisse y Picasso hoy, pero las obras que se exhiben en la muestra de Nahmad explican por qué fue tan aclamado durante el siglo XX. Ya sea en óleo, gouache o acuarela, Dufy pintó figuras tan animadas que casi parecen moverse. Esto se debe a que Dufy pintó deliberadamente la luz con un flagrante desprecio por la tradición. Peter Schjeldahl escribió una vez que «Raoul Dufy era perfecto en formas que generaciones de personas serias del arte no tenían uso». Esperemos que pronto eso ya no sea así.
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John Ahearn y Rigoberto Torres en el Salón 94
Crédito de la imagen: Foto de Elisabeth Bernstein
Durante casi 40 años, John Ahearn y Rigoberto Torres han colaborado en la realización de moldes de yeso de sus vecinos del sur del Bronx y de otros lugares. Los moldes se han realizado a menudo en la calle, y el acto de hacerlos se ha convertido en una especie de fiesta callejera en la que participan personas de todas las edades. Los bustos, que cuelgan de la pared del stand del Salón 94, muestran la variedad de emociones humanas, pero, sobre todo, exudan la dignidad de sus protagonistas y evidencian la empatía de estos artistas. Titi en la ventana (1985/2024) es lo más destacado de este stand. Titi era una figura del sur del Bronx, una guardiana, una gallina madre y una santa patrona. Sabía los nombres de todos los niños y, si alguien tenía ambiciones políticas, habría sido un tonto si no hubiera ido a buscar su bendición antes de lanzar una campaña. Aquí, se la conmemora debidamente junto con otras personas del Bronx, en un testimonio de las profundas conexiones entre Ahearn y Torres y la gente que vivía en este vecindario.
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Brad Kahlhamer en Venus sobre Manhattan
Crédito de la imagen: Cortesía de Venus Over Manhattan
Las pinturas, esculturas y obras sobre papel de Brad Kahlhamer exploran el Nueva York crudo de los años 80 y 90 a través de una lente indígena. Nacido en Tucson, Arizona, en 1956 de padres indígenas, fue adoptado a temprana edad por una familia germano-estadounidense blanca. (Como resultado, no tiene afiliaciones tribales porque no puede rastrear su ascendencia, un requisito para la inscripción oficial). De joven, Kahlhamer vivió en la periferia, ligeramente excluido de todos los lugares a los que iba. No fue hasta que se mudó a Nueva York en los años 80, cuando se unió a la vibrante escena artística underground de la ciudad y sus espacios alternativos, que comenzó a realizar plenamente su práctica, una combinación de dibujos indígenas en libros de contabilidad en un estilo animado, algo frenético, que debe algo a Art Spiegelman y Peter Saul. Todo es más que un poco punk.
