Al crecer en Nairobi, Kenia, Joseph Kamaru estaba acostumbrado al ruido. Luego, cuando era adolescente, se mudó fuera de la ciudad y el alboroto se calmó; los sonidos del tráfico y trucados matatus dio paso al canto de los pájaros, y comenzó a llevar una grabadora de mano, aprendiendo a navegar por el mundo con sus oídos. Su momento eureka como joven artista fue descubrir que podía canalizar los sonidos de un viejo y destartalado tren de pasajeros en ritmos en bucle; ese fue el nacimiento del estilo musical que ha desarrollado bajo su alias KMRU en grabaciones como su álbum revelación de 2020 Cáscara, donde grabaciones de campo y sonidos sintetizados se unen en un tejido poroso. Un productor prolífico, KMRU ha seguido explorando el uso de grabaciones de campo a través de un número de principalmente autoeditado grabaciones, a veces enfatizando elementos tonales y en otras partes profundizando en el torbellino de sonidos encontrados; lo que se ha mantenido constante es la calidad meditativa de su música.
Donde reina la quietud en la música de KMRU, Niamké Désiré corteja al caos. Más conocido como Aho Ssan, el músico electrónico parisino construye sus propios instrumentos virtuales en el lenguaje de programación visual Max/MSP; Cualesquiera que sean los números que se procesan bajo el capó digital, su música a menudo se siente como una instantánea de algo que se está desgarrando a nivel molecular. Su álbum debut, 2020’s Simulacrorecuerda el drama de la iglesia en llamas de Ben Frost, pero presta mucha atención a sus oleadas de distorsión y lo que al principio parece ser una sólida pared de sonido se desintegra en ondas de detalles granulares, cada bajo golpea una roca que se desmorona.
Aun así, la música de Désiré no deja de tener sus más registro contemplativo, por lo que se podría suponer que un encuentro de los dos músicos supondría encontrar un punto medio entre sus respectivos estilos. Pero cuando se sentaron juntos, se sorprendieron incluso a sí mismos: “Nunca hice algo tan extremo”, dijo Désiré sobre su primera grabación. Con tres pistas compuestas y grabadas en tres ocasiones distintas, Limén documenta el diálogo en curso del dúo.
Se abre “Resurgence”, basada en una instalación que crearon para la edición 2021 de Berlin Atonal Limén con lo que suena como una orquesta afinando en un teatro en llamas, crujidos estáticos en los bordes de zumbidos cada vez más espesos; es de alguna manera duro pero arrullador. A los tres minutos y medio, aparece el primer motivo real: una melodía principal lúgubre en algún lugar entre una trompeta y una sierra de mesa que suena más dramática y majestuosa que cualquier cosa en el catálogo de cualquiera de los artistas. El bajo retumba volcánicamente; los bordes del paisaje sonoro son un paroxismo sostenido de cuchillos afilados y pistolas de chorro de arena. Aproximadamente a la mitad de la pieza de 12 minutos, hay un breve decrescendo, solo para que el asalto se reanude con fuerza renovada antes de que suceda algo aún más sorprendente: el bajo tembloroso se suaviza brevemente en un patrón sincopado que recuerda al techno. Y luego, los fragmentos se han ensamblado momentáneamente en un orden relativo, todo se disipa, cuerdas arqueadas y susurros de ruido blanco se disuelven en la nada.
