Jackson Pollock, Mark Rothko y Willem de Kooning todavía tienden a dominar la conversación sobre el expresionismo abstracto, aunque las mujeres asociadas con el movimiento, como Lee Krasner y Elaine de Kooning, fueron igualmente importantes para él. En los últimos años, ha habido intentos de mantener las contribuciones de estas mujeres, y el último de ellos es un espectáculo en la Fondation Louis Vuitton de París en el que el trabajo de Joan Mitchell se pone a la altura del querido maestro impresionista Claude Monet.
Es un movimiento audaz que insiste en la centralidad de Mitchell, no solo para el movimiento expresionista abstracto sino también para el arco más amplio de la historia del arte.
En esta muestra, titulada “Monet – Mitchell” y curada por Suzanne Pagé, la carrera de Mitchell se presenta cronológicamente, comenzando con sus primeros trabajos abstractos de la década de 1950. Mitchell, nacida en Chicago en 1925, estuvo expuesta al arte temprano y asistió a clases de arte en el Instituto de Arte, donde recibió su maestría en bellas artes. Cuando se mudó a Nueva York en 1947, su trabajo ya había comenzado a tomar un giro abstracto. después de estudiar de cerca el cubismo y el impresionismo, se sintió como en casa en la Escuela de Nueva York de la década de 1950. Durante este tiempo, hizo vínculos especialmente estrechos con los de Kooning y el poeta Frank O’Hara, quien iba con frecuencia al estudio de Mitchell para escribir.
En 1951, apareció en el seminal «Ninth Street Show», en el que Jackson Pollock, Franz Kline, ambos de Koonings, Krasner y otros artistas de AbEx exhibieron juntos. A la vista en «Monet – Mitchell» se encuentran algunas de sus obras del período en que tuvo lugar esa muestra.
Es conmovedor notar cuán similares se veían las pinturas de De Kooning y Mitchell en este momento de intensa amistad. Por ejemplo, Mitchell pinturas sin título de 1952 y de Kooning Excavación (1951) utilizaron barras de color y pintura negra para dividir un lienzo en su mayoría beige o de color claro, aunque el estilo de Mitchell era más gestual mientras que el de De Kooning Excavación es bastante controlado y geométrico.
En 1957, Mitchell realmente dio en el blanco y apareció en un perfil seminal en ARTnoticias por Irving Sandler «Mitchell pinta un cuadro». En el artículo, analiza algunos de los aspectos clave de su trabajo y le dice a Sandler: «Llevo mis paisajes conmigo». Es una forma de describir los paisajes emocionales y visuales que se fusionaron en su memoria, una impresión que actúa como la semilla que eventualmente florece en una pintura.
Su obra de 1956 Cicuta es una de las traducciones más literales de este proceso. En la pintura, Mitchell usa franjas de verde en tonos oscuros y claros para invocar un elegante árbol de cicuta. Más abstracto pero igual de potente, tiempo de barro (1960) es un amasijo de colores cuyos bordes parecen desvanecerse entre sí. La pintura sugiere un paisaje urbano primaveral que ha sido salpicado de barro después de una fuerte lluvia.
Es esta forma de acercarse a los paisajes lo que une a Mitchell y Monet, quienes están unidos por los métodos que utilizaron para recrear la naturaleza.
Es impresionante ver obras como las de Monet. ninfeas (1917-1919) y de Mitchell Río (1987) lado a lado. Monet puede estar representando un estanque y Mitchell puede estar representando un río, pero son similares en la forma en que permiten que el agua se disuelva en bloques de blanco interrumpidos por finos cortes de color. Ver sus obras una al lado de la otra es una revelación.
En particular, a Mitchell le encantaba cómo Monet usaba el púrpura. Ella rindió homenaje a eso en edrita frita (1981), un tríptico que se basa en los mismos azules y púrpuras que utilizó Monet para representar las profundidades acuosas de sus nenúfares.
Sin embargo, Monet y Mitchell no solo son similares estilísticamente, sino que incluso trabajaron en el mismo lugar. Mitchell finalmente se instaló en Francia en una propiedad que está a tiro de piedra de la residencia de Monet en Giverny. Mitchell había comenzado a tener un estudio en Francia a mediados de la década de 1950 y descubrió que el ritmo más lento del país era esencial para el desarrollo de su trabajo.
En 1955, Mitchell dijo sobre su mudanza a París: “Creo que aquí sería más fácil vivir la vida de un pintor. El trabajo continuo y no mostrar durante años, se acepta y tiene dignidad”.
La exhibición termina con la presentación de 10 obras de “La Grand Vallée” de Mitchell, un ciclo de 21 pinturas que Mitchell realizó entre 1983 y 1984. Es la reunión más grande de esta serie desde que se exhibió por primera vez en 1984.
Las obras se inspiraron en un recuerdo de la infancia de Gisèle Barreau, amiga de Mitchell. El paisaje que describió Barreau era un lugar que ella y su prima solían visitar y jugar cuando eran niñas. Su prima había expresado su deseo de regresar allí poco antes de su muerte.
Las pinturas son bastante grandes y la mayoría tienen forma de dípticos o trípticos. Amarillos y azules, colores que Mitchell parecía usar especialmente para comunicar el dolor, chocan; se sugiere un matorral rodante de arbustos y flores. Inspirándose en Barreau y en la reciente muerte de su propia hermana, Mitchell creó una serie de pinturas que intentan imaginar un paisaje del más allá.
