John Kane, el primer artista autodidacta en aparecer en un museo de EE. UU., recibe el tratamiento de biografía

En estos días, el pintor John Kane es desconocido para muchos. Pero no siempre fue así.

En 1927, el Noticias diarias de Nueva York publicó un artículo sobre Kane debajo del título «¡Combina arte y comercio!» Una fotografía que venía con el artículo mostraba al artista franco en su caballete, pintando una escena pintoresca que mostraba a Pittsburgh, la ciudad de Pensilvania a la que llamaba hogar.

Tres años más tarde, cuando se convirtió en el único artista de su ciudad natal en formar parte de la lista de participantes de Carnegie International, la bienal de Pittsburgh respetada internacionalmente que aún se lleva a cabo en la actualidad, el Tiempo de Nueva YorkDedicó un artículo completo a Kane. Al ser incluido en esa muestra, se convirtió en cierto modo en el primer artista autodidacta de los EE. UU. en exponer en un museo. El periódico informó que los «jurados internacionales» consideraban a Kane como «el ‘hallazgo’ de la generación», y citó al artista diciendo: «Mis vecinos me dicen que los críticos están preocupados si soy impresionista, modernista o clasicista, pero estas cosas no las entiendo.

¿Cómo, exactamente, un artista tan felizmente consciente de la vanguardia modernista atrajo tanto elogio que Edward Hopper incluso se llamó a sí mismo uno de sus defensores? ¿Y cómo un artista con tantos seguidores abandona la historia del arte? American Workman: La vida y el arte de John Kane (Princeton University Press), una nueva biografía de Maxwell King y Louise Lippincott, explora estas preguntas, que tienen algunas respuestas complicadas.

Para Lippincott, excurador del Museo de Arte Carnegie, esas respuestas se encuentran en las formas falsas que muchos de nosotros hemos elegido para clasificar a los artistas que no siguen un camino tradicional hacia la fama.

«Hoy dia, [scholars and dealers] colocar a Kane en una caja multicultural de ‘forasteros’ con artistas populares, autodidactas, dominicales, ingenuos y vernáculos, ya que el MoMA considera sacarlos del canon por completo”, escribe Lippincott. “Pero incluso en este contexto de moda, diseñado para exhibir en lugar de marginar los logros infravalorados de las mujeres, los artistas negros, rurales e indígenas, Kane, el hosco trabajador blanco envejecido, sigue completamente fuera de moda”.

La declaración de Lippincott sobre el Museo de Arte Moderno no es del todo cierta: la galería todavía cuelga la de Kane. 1929 autorretrato en la sala “Maestros de la Pintura Popular” del museo. Una verdadera joya de la colección del MoMA, presenta a Kane sin camisa flexionándose para el espectador, las venas de sus brazos sobresaliendo tanto que parece como si pudieran salirle de la piel. Pero tiene razón en que los términos problemáticos «forastero» y «primitivo», ambos empleados con fines racistas, sexistas, capacitados y clasistas, han perseguido durante mucho tiempo el trabajo de Kane. Una de las primeras veces que el MoMA mostró ese autorretrato, la pintura figuró en una muestra de “primitivos modernos”.

Y así es con este libro que Lippincott y King, un ex editor de la Investigador de Filadelfia, el objetivo es dejar las cosas claras. Lippincott afirma que “las desconexiones entre las lenguas y culturas de la élite y de los trabajadores” explican en parte los malentendidos, algunos de los cuales son probablemente deliberados. Ganchos de cielouna “autobiografía” de Kane escrita por la periodista Marie McSwigan, incluye una serie de detalles erróneos, según los escritores de trabajador americano. Afortunadamente, existe esta nueva biografía para desentrañar algunas de esas mentiras.

Para los biógrafos, la historia de la vida de Kane plantea un problema único: no se comprometió con el arte hasta una edad relativamente avanzada, aunque en qué punto también es tema de debate. (Lippincott escribe que antes de que Kane exhibiera en los museos, pintó entre 1899 y 1927 para sus jefes y sus compañeros de trabajo quienes, escribe, sirvieron para él como «su ‘mundo del arte contemporáneo'»). Para resolver ese problema, King y Lippincott dividido trabajador americano en dos secciones que escribieron por separado, una centrada casi exclusivamente en la vida de Kane, la otra en su arte.

King toma la mitad biográfica de la carrera de Kane, que King comienza algunos años antes de que el artista naciera en 1860 en West Calder, Escocia. King describe enérgicamente cómo los padres de Kane lucharon financieramente en Escocia, y luego cómo Kane llegó en 1880 a los EE. UU., donde consiguió trabajos en la industria ferroviaria, en el negocio de la minería del carbón y en la producción de coque, que se utiliza para fabricar acero.

Lo que sigue no es sólo historia del arte sino también historia del trabajo. Que King llegue a depender tanto de las crónicas de las condiciones altamente explotadoras que los trabajadores enfrentaban en Pittsburgh en ese momento para ayudar a explicar cómo Kane llegó al dibujo no es una coincidencia. Para Kane no había separación entre arte y obra.

Como escribe King, los dibujos que Kane hizo mientras era trabajador sirvieron como “un reflejo del mundo que lo rodeaba, una salida creativa en la vida de un trabajador trabajador y una expresión de su carácter, cada vez más dado a la soledad”.

Art también puede haber sido un alivio bienvenido de las dificultades que presentó su vida, que incluyeron una lesión en la pierna que ocurrió cuando un tren la atropelló (no cobró daños del ferrocarril porque estaba equivocado, dijo), una lucha con la bebida que ahora reconoceríamos como alcoholismo, y grietas en su matrimonio que resultaron de su adicción. Pero no fue hasta finales del siglo XIX que tomó un pincel cuando se convirtió en pintor de casas, el trabajo que «contribuyó más a mi trabajo artístico», y no fue hasta un par de décadas después de eso que se dedicaría más plenamente al arte.

Lo que Kane terminó produciendo es inclasificable. Había paisajes de Pittsburgh en los que los campos verdes y alegres conviven con la industria. Había autorretratos como el del MoMA que actuaba como escaparate de los pectorales de Kane (y, de manera bastante inusual, de su pierna ortopédica). Había temas patrióticos, como una pintura de homenaje que incluye texto del Discurso de Gettysburg de Lincoln, y había temas personales, como imágenes del propio Kane trabajando (en arte, claro).

Más que cualquier otra cosa, este es un cuerpo de trabajo profundamente extraño, algo que trabajador americano parece poco dispuesto a reconocer. Tome la pintura de Kane de 1933 Piedad, que presenta a una Virgen María llorando ante dos catedrales que todavía se pueden ver hoy en Pittsburgh. La transposición de una imagen histórica del arte del pasado al presente de Rust Belt of Kane es un dispositivo verdaderamente extraño, pero es uno que hace que esta pintura cante. Quiere que Lippincott se aligere un poco cuando desglose las posibles alusiones de Kane a la pintura del siglo XVI y concluya que Piedad es una “alegoría personal” que resume su propia fe.

Aún así, se debe aplaudir a Lippincott por la profunda investigación en su mitad del libro, que se centra exclusivamente en el arte de Kane. Hay una tendencia a romantizar el arte de Kane como un emblema de la experiencia estadounidense, y ella en su mayor parte no cae en esa trampa. En todo caso, se ha dedicado a derribar a quienes lo hacen.

Los organizadores del Carnegie International, por ejemplo, rechazaron el cuadro de Kane Colinas y ríos, barco de vapor en Sleepy Hollow, en el que se muestran crestas verdes desde un mirador elevado. Este paisaje puede parecer pintoresco, pero contiene secretos legibles solo para aquellos que saben leerlos. Ubicado en una colina hay un edificio que Lippincott identifica como una «prisión del condado que encarcela a los pobres de Pittsburgh».

“La vista de Kane describe el camino corto entre el éxito y el fracaso terrenal de un trabajador de Pittsburgh, pero su simbolismo local de clase trabajadora se perdería en un jurado de pintores modernistas de fuera de la ciudad”, concluye.

¿Son los miembros de la élite del mundo del arte todavía como ese jurado, curiosos sobre el arte como el de Kane pero sin saber qué hacer con él? trabajador americano sugiere que los tiempos pueden estar cambiando, y también lo hace una muestra como «Outliers and American Vanguard Art», una encuesta histórica de 2018 que tenía como objetivo reposicionar el «arte marginal» para que fuera menos excluyente. Kane figuró en ese espectáculo junto a figuras más ampliamente aceptadas en el mundo del arte internacional, incluidas Betye Saar y Greer Lankton. Si bien el trabajo de Kane aún puede ser un elemento fijo en el MoMA, tal vez sea hora de que salga de esa sofocante galería de «Maestros de la pintura popular». trabajador americano puede proporcionar la base para hacer precisamente eso.