Jo Baer, ​​pintora que renunció al minimalismo por la ‘figuración radical’, muere a los 95 años

Jo Baer, ​​una pintora pionera que obtuvo elogios como minimalista durante la década de 1960 antes de apartarse del movimiento más tarde, murió el martes a los 95 años. Su muerte fue anunciada por Pace Gallery, que no especificó la causa.

A lo largo de más de seis décadas de trabajo, Baer encontró formas innovadoras y desafiantes de explorar cómo el ojo percibe una imagen. Si bien muchos artistas de su generación estaban fascinados por temas similares, su trabajo ha resultado difícil de clasificar en repetidas ocasiones, ya que no se ajusta a ningún movimiento o tendencia en particular.

Al comienzo de su carrera, durante los años 60, sus pinturas sobrantes parecían compartir puntos en común con obras de Dan Flavin y Sol Lewitt, destacados escultores del movimiento minimalista. Pero Baer se diferenciaba en múltiples aspectos: era pintora, no escultora, y era una artista femenina en medio de un grupo compuesto principalmente por hombres. Aún así, mientras los críticos luchaban por encontrarle sentido a su arte, fue etiquetada como minimalista y frecuentemente discutida junto a estas figuras.

Luego, durante los años 70, rompió un tabú del mundo del arte al pasar de la abstracción a la figuración. Se difundieron rumores de que había destruido sus pinturas minimalistas mientras renunciaba formalmente a sus vínculos con el movimiento. En una carta de 1983 a Arte en Américaafirmó formalmente que no era una pintora abstracta y dijo que ya nadie podía contribuir a esa modalidad artística. «El arte moderno de vanguardia murió en la séptima década del siglo XX», escribió Baer.

Su falta de voluntad para adaptarse puede haber sido la razón por la que fue una inspiración para los artistas que surgieron después de ella. La evidencia de su espíritu juvenil llegó a la Bienal de Whitney de 2017, donde sus pinturas parecían parientes lejanos de las otras figuraciones expuestas. Ella era la participante de mayor edad en esa exposición por varias décadas.

Aunque las pinturas figurativas de Baer han comenzado a recibir su merecido después de años de ser pasadas por alto, sus pinturas minimalistas también se han visto ampliamente en los últimos años. Sin embargo, cuando estrenó estas pinturas, polarizaron a los críticos.

Sus pinturas más famosas de la década de 1960 son lienzos cuadrados que Baer pintó principalmente en blanco, con un negro oscuro, junto con una delgada banda de colores vibrantes: rosa intenso, verde resaltador y naranja intenso. “Entendí esta área blanca y en blanco como luz. . . y los bordes son límites”, dijo una vez. Sin embargo, no todos entendieron lo que estaba haciendo. En una entrevista de 1995, recordó: “Recuerdo que Sol LeWitt me dijo: ‘¿Por qué estás usando un trozo de color ahí?’ Tuve que decirle que era pintor, de eso se trata la pintura”.

Continuaría destilando la pintura hasta sus fundamentos, subvirtiendo en ocasiones también los modos tradicionales de presentación. Baer ocasionalmente colgaba sus pinturas debajo del nivel de los ojos o las mostraba muy cerca, como para llamar la atención sobre el espacio de la galería que rodea su arte, un tropo minimalista común.

A principios de los años 70, Baer llevó este estilo al límite con un pequeño grupo de pinturas que tardaron años en producirse. Con títulos que hacían referencia a las orquídeas que la propia Baer cultivaba, estas pinturas, como las que las precedieron, eran en su mayoría blancas, aunque estas obras contenían delgados triángulos de color en sus lados. Sus lienzos también tenían proporciones inusuales, a veces con anchos recortados pero cuerpos largos o dramáticamente verticales. Baer colgó algunos a sólo una pulgada del suelo.

El modo de presentación, y casi todo lo demás sobre el minimalismo de Baer, ​​confundió a los críticos. “Las pinturas de Baer no deberían ser tan difíciles de captar como parecen”, escribió Lucy Lippard en tono positivo. revisión para ARTnoticias en 1972. Años más tarde, cuando la Dia Art Foundation examinó obras similares, estas pinturas continuaron desconcertando a los críticos. En 2003, Roberta Smith llamado estas pinturas son «algunas de las pinturas monocromáticas más estrictas e implícitamente combativas de la historia del arte».

Jo Baer, ​​de soltera Josephine Gail Kleinberg, nació en 1929 en Seattle. Su madre, una artista profesional a quien Baer alguna vez llamó “muy talentosa, pero estúpida”, impulsó a su hija a probar suerte en el arte incluso antes de que fuera una adolescente, pero Baer nunca se sintió obligada a dedicarse a este campo. En cambio, asistió a la Universidad de Washington, donde estudió biología.

Pasó seis meses en un kibutz en Israel en 1949 antes de mudarse a Nueva York en 1950 para asistir a la Nueva Escuela de Investigación Social, donde estudió psicología de la percepción y filosofía. Recordó sus planes de continuar sus estudios de posgrado solicitando la admisión a un doctorado. programa. Pero cuando fue a una entrevista con la Universidad de Yale, vio un dibujo de Matisse, comenzó a llorar y se dio cuenta de que su vida exigía una trayectoria diferente.

En 1953 se casó con Richard Baer, ​​un escritor de televisión con quien tuvo un hijo, Josh Baer, ​​y de quien se divorció más adelante esa misma década. De 1960 a 1970 estuvo casada con el pintor John Wesley.

Baer comenzó a pintar en un estilo expresionista abstracto. Al mismo tiempo, comenzó a relacionarse con el público artístico y se hizo amiga de figuras como el marchante de arte Richard Bellamy. En 1960, se había comprometido con la pintura Hard-Edge.

Su ascenso se produjo rápidamente. A finales de los años 60, había expuesto en Fischbach y Dwan, dos conocidas galerías de arte; Documenta y Whitney Annual (precursora de lo que ahora es la Bienal de Whitney) presentaron su trabajo. En 1975, el Museo Whitney organizó un estudio de su arte.

Sin embargo, en lugar de quedarse en el lugar donde era más famosa, Baer partió de Nueva York hacia Irlanda, decisión que atribuyó a la insatisfacción con las tendencias artísticas de la época. «La presión de un lugar como Nueva York es muy fuerte», dijo. dijo Bomba. “No me gustaba mucho la dirección en la que veía la pintura cuando vivía allí. Estaba entrando en su modo tonto, donde cuanto más tonto fuera tu trabajo, mejor”.

En Irlanda, Baer comenzó a perseguir lo que ella llamaría “figuración radical”, un estilo que implicaba depender en gran medida de imágenes parciales. Dijo que la mayoría de los pintores de la época se centraban demasiado en representar una imagen en el espacio. Por el contrario, quería fusionar personas, lugares y cosas. “Elijo cosas y las estructuro para darles nuevos significados”, explicó.

En 1984, un año después de que escribiera su Arte en América En esta carta, Baer se mudó nuevamente, esta vez a Amsterdam, donde permaneció por el resto de su carrera. Su trayectoria inusual y su base fuera de Estados Unidos pueden haber contribuido a su relativa oscuridad en Nueva York. Muchas de sus exposiciones museísticas más importantes de las últimas décadas aparecieron en Europa, en lugares como el Museo Stedelijk, que le organizó una retrospectiva en 1999.

Se mantuvo fiel a su compromiso de cambiar su propio estilo. “Admiro la originalidad y lo genuino”, dijo. Noticias Artnet en 2020. “No me gusta el trabajo cliché y desgastado (abstracto o no)”.