Janet Cooling, pintora que abrió nuevos caminos para las artistas lesbianas, muere a los 70 años

Janet Cooling, quien imaginó un estilo de pintura figurativa basado en simbologías lesbianas y feministas durante las décadas de 1970 y 1980, murió en Richmond, Virginia, el 25 de febrero a la edad de 70 años de cáncer de mama. Su pareja y esposa durante 40 años, Jackie Corlin, confirmó su muerte.

Entre las primeras artistas en ser lesbianas en el mundo del arte estadounidense, Cooling pintó sin miedo obras que iban en contra del gusto popular y las costumbres sociales normativas. Entre sus primeros defensores se encontraban la fundadora del New Museum, Marcia Tucker, la historiadora del arte feminista y cofundadora de Woman’s Building Arlene Raven, y el curador Dan Cameron, quien, en 1982, incluyó a Cooling en «Sensibilidades extendidas: presencia homosexual en el arte contemporáneo» en el New Museum, la primera muestra en un museo en los EE. UU. para abordar temas de homosexuales y lesbianas en el trabajo contemporáneo. (Divulgación: en 2019, curé una exposición individual del trabajo de Cooling en la Galería Jack Hanley en Nueva York).

“Janet Cooling fue una artista valiente e innovadora, cuyo trabajo a principios de la década de 1980 sentó las bases de cómo las pintoras, especialmente aquellas que no son heterosexuales, desarrollarían una gama de imágenes que contradecían siglos de la mirada masculina en el arte pictórico”, Cameron. escribió en un correo electrónico. “Dentro de años, creo que los historiadores reconocerán cuán profético fue realmente su desarrollo de una estética centrada en la mujer. Janet también fue firme en su creencia de que ‘Sensibilidades extendidas’ era un avance necesario e importante en el campo curatorial, y nunca vaciló en su apoyo personal a mis esfuerzos».

Janet Cooling nació en Chester, Pensilvania, en 1951, pero creció en los suburbios de Nueva Jersey. En 1969, se mudó a Brooklyn para asistir a Pratt, donde recibió su BFA en 1973, e inmediatamente completó un MFA en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago en 1975. Después de graduarse, Cooling trabajó en Artemisia, la galería cooperativa de mujeres. en Chicago, que entonces estaba recién inaugurado. Artemisia ayudó a traer Cooling a los mundos emergentes de los espacios de arte feminista y la política lésbica. Fue en la galería donde conoció a Raven, quien le ofreció a Cooling su primera exposición individual en Canis Gallery en Woman’s Building en Los Ángeles en 1976.

Trabajando en Chicago a fines de la década de 1970, Cooling se asoció con un grupo de artistas (entre ellos Phyllis Bramson, Nicholas Africano y Hollis Sigler, socio de Cooling en ese momento) que fueron apodados «Post-Imagists» por la crítica de arte Joanna Frueh en un artículo de octubre de 1978 en el Nuevo examinador de arte. Frueh explicó: “Si el imaginismo destella y resuena, como la televisión o la música rock, entonces [Post-Imagism] induce como la poesía, un comunicador más lento que nos empuja hacia adentro”. Durante su estadía en Chicago, Cooling expuso en la Galería Nancy Lurie, donde también exhibieron varios de sus compañeros «Post-Imagist». Allí, en 1979, Cooling estrenó sus dibujos eróticos de mujeres desnudas entrelazadas en paisajes sublimes. En una declaración de la artista, Cooling posicionó el programa como un gran avance para su práctica: “Empecé a destrozar mi formación académica sobre temas apropiados utilizando mi propia experiencia como mujer joven como contenido. El tema se convirtió en la narrativa de salida del armario”.

En ese momento, solo un puñado de artistas eran lesbianas. Incluso menos estaban haciendo un trabajo explícito y figurativo sobre su sexualidad. En una entrevista de 2008, la artista Harmony Hammond, que había incluido Cooling en su libro histórico de 2000 Arte Lésbico en América, explicó: “En ese momento particular a mediados de los años 70, las lesbianas no se representaban a sí mismas sexualmente. Éramos conscientes de que las imágenes de lesbianas eran algo que excitaba a los hombres. Debido a que deseábamos evitar la mirada masculina, cualquier tipo de representación visual de sexo o actos sexualizados entre mujeres por parte de mujeres era raro”. Cooling asumió el desafío de representar la forma femenina, trabajando fuera de las convenciones del arte lésbico en ese momento, que, como señaló Hammond, tendía a evitar las representaciones del sexo lésbico.

Cooling regresó a Nueva York en 1981, el mismo año en que fue incluida en la muestra «Young Americans» del curador William Olander junto a Cindy Sherman, David Salle y Hudson. Durante este tiempo, Cooling comenzó a hacer pinturas a gran escala con fondos negros y remolinos de imágenes apocalípticas. Una de estas obras en forma, morgana (1982), se incluyó en “Sensibilidades extendidas”. Ese trabajo en particular se inspiró en la vida nocturna de la ciudad de Nueva York a principios de la década de 1980, especialmente en el icónico club Danceteria, donde Cooling vio actuaciones de una muy joven Madonna y la drag queen Divine. Las pinturas que estaba haciendo en la década de 1980 resuenan con el trabajo de otros pintores figurativos queer que trabajaban en ese momento, incluidos Martin Wong y David Wojnarowicz, el último de los cuales compartía la comprensión romántica de Cooling del arte de uno como una salida para el sentimiento personal, una postura en probabilidades con la teoría posmodernista emergente en el mundo del arte. Escribiendo sobre el trabajo de Cooling, Olander explicó: “Ser un pintor figurativo en la década de 1970 no era una tarea sencilla: era una era de práctica minimalista y conceptual, que no simpatizaba con la retórica expresiva de la pintura”.

En 1984, Marcia Tucker incluyó las pinturas de Cooling en el polémico pabellón estadounidense de pintura en la Bienal de Venecia, titulado “Paradise Lost: Paradise Regained. Visiones estadounidenses de la nueva década”. En el catálogo de la exposición, destacó los extremos en la simbología de Cooling entre el dolor y el placer: “Janet Cooling pinta paisajes paradisíacos, panoramas edénicos llenos de flora y fauna exóticas y parejas desnudas y enamoradas, y al mismo tiempo ha tratado escalofriantemente el tema de la guerra urbana y destrucción nuclear”.

El pabellón de la Bienal fue, en muchos sentidos, una extensión de la exposición «Bad Painting» de Tucker de 1978, que destacó el trabajo irreverente que evitaba lo que ella describió como los «estándares del buen gusto». En el New York Times En una revisión del pabellón de Tucker, John Russell escribió: «Fue una sorpresa para casi todos que en el corazón de Estados Unidos, e incluso en algunas de sus grandes ciudades, hubiera tantos artistas jóvenes cuya ambición no era ‘pintar bien'». ‘, en el sentido en que William Merritt Chase pintaba bien, pero aceptando sensaciones abrumadoras de miedo e inquietud, violencia y aprensión. La combinación de pintura descuidada con temas horrendos contrastaba fuertemente con la idea de la mayoría de los europeos sobre la psique estadounidense”.

Cooling se mudó a California en 1984 para enseñar en la Universidad Estatal de San Diego, donde permaneció hasta jubilarse en 2013. En 1985, tuvo una exposición individual en la ubicación de Chicago de la galería Feature de Hudson y en la década de 1990, se centró en hacer grandes y coloridos pinturas de culturistas femeninas, que se presentarían en la exposición colectiva del New Museum “Pictureing the Modern Amazon” en 2000. Durante este período, su trabajo fue canonizado en importantes volúmenes sobre arte feminista y lésbico, que incluyen El poder del arte feminista por Norma Broude y Mary Garrard y Arte Lésbico en América por Armonía Hammond. En este último, Hammond escribe: “Las pinturas de Cooling son lo más cerca que el arte lésbico contemporáneo se acerca a una sensibilidad camp feminista. Interesada en el kitsch y las nociones de ‘mala pintura’, usó colores espeluznantes contra fondos de terciopelo negro para representar escenas apocalípticas alucinantes. En su mundo, los animales y las mujeres son especies en peligro de extinción en un paisaje amenazado por la invasión patriarcal”.