Jackie Winsor, artista cuyas esculturas, que requieren mucho trabajo, inspiran misterio y asombro, muere a los 82 años

Jackie Winsor, una escultora cuyas piezas minuciosamente elaboradas en ladrillos, madera, cobre y cemento parecen acertijos imposibles de desentrañar, murió a los 82 años. Sus hermanas, Maxine Holmberg y Gloria Christie, y su familia extendida confirmaron su muerte el martes, diciendo que murió de un derrame cerebral.

Winsor saltó a la fama en Nueva York junto con los minimalistas durante la década de 1970. Su arte, con sus formas repetitivas y los desafiantes procesos utilizados para crearlas, incluso parecía a veces parecerse a las mejores obras de ese movimiento.

Pero las esculturas de Winsor contenían algunas diferencias clave: no sólo estaban hechas con materiales industriales y mostraban un tacto más suave y una calidez interior que no está presente en la mayoría de las esculturas minimalistas.

Sus laboriosas esculturas se produjeron lentamente, a menudo porque tenía que realizar acciones físicamente difíciles una y otra vez. Como dice la crítica Lucy Lippard escribió en Foro de arte“Winsor a menudo se refiere al ‘músculo’ cuando habla de su trabajo, no solo al músculo que se necesita para hacer las piezas y transportarlas, sino al músculo que es la propiedad kinestésica de las formas heridas y unidas, de la energía que se necesita para hacer una pieza tan simple y aún así tan llena de una presencia casi aterradora, mitigada pero no disminuida por una torpeza humorística”.

En 1979, año en que su obra pudo verse simultáneamente en la Bienal de Whitney y en una muestra del Museo de Arte Moderno de Nueva York, Winsor había producido menos de 40 piezas. Para entonces ya llevaba trabajando más de una década.

Para #2 Cobre (1976), una obra que apareció en la muestra del MoMA, Winsor envolvió 36 piezas de madera utilizando bolas de alambre de cobre industrial del n.° 2 que enrolló alrededor de ellas. Este extenuante proceso dio lugar a una escultura que finalmente pesó 2000 libras. El Akron Art Museum de Ohio, que es dueño de la piezase ha visto obligado a recurrir a una carretilla elevadora para poder instalarlo.

Para Pieza quemada (1977–78), Winsor fabricó un marco de madera que encerraba un cuadrado de cemento. Luego quemó el marco de madera, para lo cual requirió la experiencia técnica de los trabajadores del Departamento de Saneamiento, quienes ayudaron a encender la pieza en un vertedero cerca de Coney Island. El proceso no solo fue difícil, sino también peligroso. Los pedazos de cemento saltaron mientras ardía el fuego, elevándose hasta 15 pies en el aire. “Nunca supe hasta el último minuto si explotaría durante la cocción o se agrietaría al enfriarse”, dijo. le dijo al El New York Times.

Pero a pesar de todo el dramatismo que implica su realización, la pieza exuda una belleza tranquila: Pieza quemada, Ahora propiedad del MoMAparece simplemente una serie de tiras de cemento carbonizado interrumpidas por cuadrados de malla de alambre. Es plácida y extraña y, como sucede con muchas obras de Winsor, uno puede mirar dentro y ver solo oscuridad en el interior.

Como dijo una vez la curadora Ellen H. Johnson: “La escultura de Winsor es tan estable y silenciosa como las pirámides; sin embargo, no transmite el imponente silencio de la muerte, sino más bien una quietud viviente en la que múltiples fuerzas opuestas se mantienen en equilibrio”.

Jacqueline Winsor nació en 1942 en St. John’s, Newfoundland, Canadá. De niña, vio a su padre trabajar arduamente en diversas tareas, incluido el diseño de una casa que su madre terminó construyendo. Los recuerdos de su trabajo se filtraron en obras como Pieza de uña (1970), en la que Winsor recordó el momento en que su padre le dio una bolsa de clavos para clavar en un trozo de madera. Le indicó que clavara una cantidad equivalente a una libra, y terminó colocando doce veces más. Pieza de uñauna obra sobre la “sensación de energía oculta”, recuerda aquella experiencia con siete piezas de tabla de pino, fijadas entre sí y revestidas con clavos.

Asistió al Massachusetts College of Art en Boston como estudiante de pregrado, luego a la Universidad Rutger en New Brunswick, Nueva Jersey, como estudiante de MFA, graduándose en 1967. Luego se mudó a Nueva York junto con dos de sus amigos, los artistas Joan Snyder y Keith Sonnier, quienes también estudiaron en Rutgers.

Winsor había estudiado pintura, por lo que su transición a la escultura parecía improbable, pero ciertas obras suscitaron comparaciones entre ambos medios. Cuadrado límite (1972) es una pieza de madera de forma cuadrada cuyas esquinas están envueltas en hilo. La escultura, de más de seis pies de altura, parece un marco al que le falta la pintura de tamaño humano que se supone que debe contener.

Piezas como esta se exhibieron ampliamente en Nueva York en ese momento, apareciendo en cuatro Bienales del Whitney entre 1973 y 1983 solamente, así como en una muestra de esculturas organizada por el Whitney que precedió a la formación de la Bienal en 1970. También expuso regularmente en Paula Cooper Gallery, en ese momento la galería de referencia para el arte minimalista en Nueva York, y figuró en la muestra de 1971 de Lucy Lippard «26 Contemporary Women Artists» en el Aldrich Museum of Contemporary Art en Ridgefield, Connecticut, que se considera una exposición clave dentro del desarrollo del arte feminista.

Cuando Winsor añadió posteriormente color a sus esculturas durante la década de 1980, algo que aparentemente había evitado hasta entonces, dijo: “Bueno, yo solía ser pintora cuando estaba en la universidad, así que no creo que eso se pierda”.

En esa década, Winsor comenzó a alejarse de su arte de los años 70. Con Pieza quemadala obra realizada con explosivos y cemento, ella quería “destrucción ser parte del proceso de construcción”, como ella misma lo expresó una vez; con Cubo abierto (1983), quería hacer lo contrario. Produjo un cubo de color carmesí a partir de yeso, luego desarmó sus lados, dejándolo en una forma que recordaba a una cruz. “Pensé que iba a tener un signo más”, Ella dijo“Lo que me dieron fue una cruz cristiana roja”, añadió, y eso la dejó “vulnerable” durante todo un año.

Las obras de este período en adelante no despertaron la misma admiración por parte de los críticos. Cuando comenzó a hacer relieves de yeso para paredes con pequeñas porciones vaciadas, la crítica Roberta Smith escribió que estas piezas estaban “socavadas por la familiaridad y una sensación de manufactura”.

Si bien la reputación de esas obras aún está en constante cambio, el arte de Winsor de los años 70 ha sido canonizado. Cuando el MoMA se expandió en 2019 y reorganizó sus galerías, una de sus esculturas se exhibió junto a piezas de Louise Bourgeois, Lynda Benglis y Melvin Edwards.

Según admite ella misma, Winsor era “muy quisquillosa”. Se preocupaba por los detalles de sus esculturas, esforzándose hasta el último centímetro. Se preocupaba de antemano por cómo resultarían todas y trataba de imaginar lo que los espectadores podrían ver cuando contemplaran una.

Parecía deleitarse con el hecho de que los espectadores no pudieran mirarla. en Sus piezas, viéndolas de esa manera como un paralelo para las personas mismas. “Tu reflejo interior es más ilusorio”, dijo una vez.