Issey Miyake, diseñador de moda con mentalidad experimental cuya ropa se convirtió en arte, muere a los 84 años

Issey Miyake, un diseñador de moda japonés cuyas prendas y exposiciones de vanguardia atrajeron una gran atención en el mundo del arte internacional, murió a los 84 años. Su estudio de diseño dijo que había estado luchando contra un cáncer de hígado.

Los diseños experimentales de Miyake obtuvieron una gran cantidad de seguidores en el mundo del arte porque, para muchos, se sentían y se veían similares a lo que se ve ampliamente en las galerías de todo el mundo. Fusionando conceptos artísticos de Japón con los extraídos de países más allá, su ropa enlistó procesos que hicieron que sus obras más famosas parecieran más esculturas que prendas ponibles.

Ahora es común que los diseñadores de moda muestren su trabajo en escenarios del mundo del arte; las exhibiciones de moda del Museo Metropolitano de Arte son algunas de sus ofertas más concurridas, por ejemplo. Sin embargo, Miyake ayudó a allanar el camino para eso, y cuando sus diseños ganaron popularidad en el mundo del arte por primera vez en la década de 1980, era inusual que alguien en el mundo de la moda tuviera un atractivo tan cruzado.

En 1982, Artforum presentaba una imagen de una modelo con un vestido que estaba influenciado por la armadura de práctica samurái. El gesto supuso una notable ruptura con la tradición en Artforum, que solo ha presentado algo que no era una obra de arte en su portada un puñado de veces. Este número, cuyo tema era la penetración del arte en la cultura de masas, fue el primero de Artforum tener moda en su portada.

“Los elementos de la moda, por supuesto, están ahí”, Ingrid Sischy y Germano Celant escribió en una editorial emparejado con el problema. “También lo es el tipo de diálogo con el pasado y el futuro, con la situación del individuo dentro de una tecnocracia, que caracteriza a la vanguardia orientada a las masas”.

Otras prendas producidas por Miyake en los años siguientes parecían confirmar la afirmación de Sischy y Celant. Su famosa serie «Pleats Please», iniciada en 1993, es una agrupación de prendas de poliéster que se pueden plegar, de modo que queden planas, a diferencia de las pinturas. Cuando se exhibieron en el Museo Stedelijk de Ámsterdam en 1990, no se exhibieron en maniquíes, como es típico en las exhibiciones de moda, sino que se aplanaron y se colocaron en partes del piso de la galería.

A pesar de la inclinación conceptual del trabajo de Miyake, sus prendas han tenido un gran atractivo. Incluso diseñó el icónico jersey de cuello alto negro que Steve Jobs se ponía con tanta frecuencia.

Issey Miyake nació en 1938 en Hiroshima, Japón. En 1945, cuando Estados Unidos lanzó una bomba atómica sobre la ciudad, resultó herido mientras iba en bicicleta a la escuela; su madre murió por exposición a la radiación en los años posteriores. Pero prefirió no contar la experiencia de presenciar la explosión de la bomba. “Me incliné por el campo del diseño de ropa, en parte porque es un formato creativo moderno y optimista”, dice. escribió en 2009 New York Times ensayo.

Más tarde, Miyake asistió a la Universidad de Arte Tama en Tokio, donde estudió diseño gráfico y se graduó en 1964. Luego se fue a París, donde trabajó para el diseñador Hubert de Givenchy, y luego se mudó a Nueva York, donde entró en contacto con célebres artistas como Robert Rauschenberg y Andy Warhol. Años después, Warhol describiría los diseños de Miyake como «Oriente se encuentra con Occidente y eso me gusta porque siempre me han gustado más los círculos que los cuadrados».

A fines de los años 70, Miyake había comenzado a reunir una base de seguidores leales en los Estados Unidos. En 1978, publicó Oriente se encuentra con Occidenteun libro de sus diseños que incluía ensayos del arquitecto Arata Isozaki y Diana Vreeland, entonces editora de Moda. “Su ropa es totalmente suya y solo suya”, escribió Vreeland. En los años siguientes, mientras una ola de moda japonesa arrasaba la escena internacional, los diseños de Miyake continuaron ganando fama.

Aunque los occidentales como Warhol tendían a hablar de manera reduccionista de los diseños de Miyake, sus fuentes de inspiración solían ser aspectos específicos de la sociedad y la historia japonesas. Algunas de sus primeras innovaciones se basaron en sashiko, una tela de algodón asociada con el campesinado japonés, y la elevó a algo usable en la pasarela. Sin embargo, también aludió a figuras de la historia de la moda occidental, incluida la diseñadora francesa Madeleine Vionnet, cuyos diseños utilizaron telas fluidas para establecer paralelismos entre la arquitectura y el cuerpo.

Si bien el trabajo de Miyake se vio en las principales instituciones a lo largo de su carrera, el propio diseñador parecía algo ambivalente acerca de que su trabajo fuera etiquetado como arte. “Realmente no estoy interesado en la ropa como una forma de arte conceptual”, dijo a la New York Times en 1993.

Eso no impidió que los artistas quisieran trabajar con él. En 1996, Miyake lanzó la «Serie de artistas invitados» para su iniciativa «Pleats Please». El artista chino Cai Guo-Qiang encendió explosiones de pólvora en un vestido ceñido plisado, cantando imágenes de dragones en su tejido. El fotógrafo japonés Yasumasa Morimura, conocido por retratarse a sí mismo en imágenes históricas del arte, colocó una imagen de una mujer desnuda de una pintura de Jean-Auguste-Dominique Ingres en otro vestido.

Mientras tanto, el fotógrafo Irving Penn incluso publicó un libro con los diseños de Miyake. “El trabajo de Miyake se completa solo cuando lo ve desgastado, entrando en la moneda de la calle, en acción”, escribió el crítico Mark Holborn en 1988. Artforum reseña del libro. “En esa etapa se vuelve del momento, completando el ciclo de la moda. Las fotografías de Penn, entonces, no constituyen un libro sobre Issey Miyake. Son una extensión de la obra misma”.

Los trabajos posteriores incluyeron tecnología digital en su creación. Para los vestidos «A-POC», Miyake trabajó con el ingeniero textil Dai Fujiwara para programar una máquina de tejer industrial que funciona con una gran cantidad de tela sin cortar. Produjo vestidos que eran ligeramente más grandes, lo cual fue deliberado: el usuario debía cortar las piezas según fuera necesario para adaptarlo a su cuerpo. El Museo de Arte Moderno de Nueva York tiene un vestido de esa linea.

Las instituciones continuaron interesándose en el trabajo de Miyake a lo largo de su carrera. El Centro Nacional de Arte de Tokio le dio una retrospectiva adecuada en 2016, y el MoMA ha presentado el trabajo de Miyake en varias exposiciones, incluida la promocionada «Diseño aplicado» de 2013, una muestra de vanguardia que también incluyó videojuegos y otros objetos que parecían estar en los límites exteriores del diseño.

Parte del atractivo más amplio del trabajo de Miyake podría atribuirse al hecho de que no solo satisfacía los gustos del mundo de la moda enclaustrado: algunos de sus diseños se podían lavar a máquina, otras prendas no parecían ropa en absoluto. “Siempre me interesó hacer ropa que usa la gente en el mundo real”, dijo una vez. dijo al Telégrafo.