En el remolque para su disco debut en solitario, guitarra amplificada, Mat Ball sostiene la cabeza de su guitarra contra un amplificador mientras toca una melodía melancólica. El sonido que emerge es gutural: un poderoso zumbido se eleva y crea una nube alrededor de cada pulsación de las cuerdas. En otro momento, el músico con sede en Montreal coloca la cabeza de su instrumento perpendicular al piso, arrastrándolo por el suelo para hacer que el sonido se tambalee. Utiliza estas técnicas como formas de dar forma a la retroalimentación de los tonos de guitarra sostenidos a medida que crece y cambia.
Con una serie de ocho viñetas separadas, cada una grabada en una sola toma, guitarra amplificada explora el lado más ruidoso de la guitarra eléctrica. El sonido no es del todo nuevo para Ball, cuya banda GRANDE|VALIENTE ha estado tallando texturas gigantescas a partir de comentarios desde su formación en 2012. Pero aquí, toca un instrumento que él mismo construyó (es un carpintero además de músico) con el objetivo de maximizar tanto la ligereza como la densidad. Si bien el trabajo de Ball enfatiza las texturas cavernosas, es minimalista en el fondo: elabora entramados densos a partir de frases cortas creando bucles de melodías simples o dejando que los tonos sostenidos resuenen y se desvanezcan gradualmente. Tanto como guitarra amplificada gira en torno a drones reventados, su intriga radica en los detalles en miniatura: la forma en que la guitarra roza un amplificador, creando una punzada aguda, o la forma en que una melodía se puede deconstruir y reconstruir.
La estructura general del álbum se adapta a su efecto floreciente. Las primeras tres pistas presentan tres sonidos diferentes: la melodía en bucle de «To Catch Light I», el fuzz embrujado de «Within the Billow I» y el pulso caótico de «Steel Wound Arteries I», que Ball regresa y transforma. mas tarde. En “Within the Billow II”, por ejemplo, las espeluznantes texturas de la pista original se transforman en tonos agudos y golpes contundentes, un sonido contundente que gradualmente se reduce a pulsos de bajo apenas visibles. Si bien quedan partes de la canción original, Ball modifica los elementos a su alrededor, construyendo una nueva casa con las mismas partes.
Cada pista ofrece una paleta diferente para explorar, y la trilogía «To Catch Light» demuestra el experimento más exitoso de Ball, gracias a su claro arco narrativo. Estas pistas emanan de una melodía de blues triste que Ball desdibuja con penachos de neblina inducida por la retroalimentación. Cada vez que la canción regresa, cambia sutilmente: donde «To Catch Light I» se siente directo y abatido, «To Catch Light II» es un poco más turbio hasta que se rompe en un golpe final vigoroso y colorido. Ese punto se siente como un pináculo, un momento en el que todas las ideas latentes de Ball finalmente se han desbordado; para cuando “To Catch Light III” retoma las piezas, esa melodía original emerge con un nuevo resplandor.
