¿Qué es la música clásica americana? Mucho antes de que existieran los Estados Unidos de América, la música clásica tomó forma en las cortes y catedrales de Europa, donde su papel se convirtió en el de la religión: establecer el tejido de la historia y el mito que unía a un pueblo y despertaba sus sentimientos más elevados. Esto fue tan extraño para una tierra del siglo XVII sin perímetro ni pasado como lo es para una del siglo XXI sin centro y, tememos, sin futuro. También podríamos preguntar qué es Estados Unidos. Sin embargo, el nuevo álbum del violinista de Brooklyn Rider, Johnny Gandelsman, con música original de una cornucopia de compositores más jóvenes en los Estados Unidos, suena como una respuesta clara a ambos enigmas.
Ambientado en el molde europeo, el clásico estadounidense se hizo realidad en el siglo XIX, mineralizado por el folk. En el siglo XX, cuando EE. UU. se convirtió en un refugio más cosmopolita para los modernistas que huían del fascismo (imagínese eso), la música clásica estadounidense se cebó en vernáculos locales como el blues, el jazz y el rock, produciendo innovaciones como el minimalismo y su larga cola posmoderna. Mientras tanto, la tecnología lo estaba cambiando, llenándolo de sonidos electrónicos e influencias globales y destrozándolo a través de conductos electrónicos. La cultura también lo estaba cambiando, exponiendo sus fundamentos coloniales y minando sus murallas masculinas blancas. Esto, alrededor de 2008, es donde Brooklyn Rider entró en escena. Los herederos del Kronos Quartet del siglo XXI son célebres por comisionar y colaborar casi desenfrenadamente, en todo el mundo, con músicos de música clásica, jazz, folk y pop. La perspectiva internacionalista del cuarteto de cuerda también brilla en la saga americana de Gandelsman.
Para el álbum de tres discos Esta es America, Gandelsman buscó nuevas obras de más de dos docenas de compositores, la mayoría de los cuales obtuvieron financiación institucional en sus regiones. Si bien todos ellos viven en los EE. UU., representan una comunidad mundial de tradiciones entrenadas pero sin ataduras. El nombre de la marquesina es Terry Riley, el alma del minimalismo estadounidense, cuya pieza para violín de cinco cuerdas es juguetona y habladora, al igual que su nota invaluable del compositor. (“Sin nada en particular en mente, comencé”). Pero, sorprendentemente para un disco de este medio, el agitado minimalismo de Riley y Philip Glass no es el modo predeterminado. En cambio, un modernismo más severo y escultórico es la línea de base, aunque gran parte de la tarifa destacada se aparta de él.
El disco de apertura está reservado por sus momentos más llamativos. El primero, de la compositora y pianista brasileña estadounidense Clarice Assad, se llama “O”, que significa “oxígeno”. La música fue compuesta en respuesta a la pandemia temprana y el asesinato de George Floyd, eventos que dan a muchas de las piezas tonos de luto o sanación. La vocal titular cuelga en vaporosos flecos de reverberación y retardo mientras los trémolos de Gandelsman se abren paso, su arco saltando y corriendo en la oscuridad. Compare eso con el estilo claro y afligido de Rhiannon Giddens, la estrella del cruce de música clásica y folk que revivió la música de bandas de cuerdas negras con Carolina Chocolate Drops. Su “New to the Session” cierra el disco, que ha atravesado una especie de opereta experimental de Rhea Fowler y Micaela Tobin y una pieza de ruido atonal de Nick Dunston, con un toque de violín irlandés.
