En Venecia, las figuras de Claire Tabouret se transforman a través de múltiples personalidades

Exposición de Claire Tabouret “Soy espacioso, carne cantora” en la Bienal de Venecia de 2022 es el primer evento colateral del artista en Venecia.

A través de una gama de pinturas figurativas realizadas en los últimos años, Tabouret explora las variaciones del yo y la identidad, utilizando varias representaciones de mujeres y niños de una época pasada que Tabouret extrae de fotografías de archivo. Estos sujetos suelen estar en poses grupales, a veces con dos caras, o caminando por paisajes brumosos.

Junto con estas 25 obras, la exhibición de Tabouret, que se realizará del 23 de abril al 27 de noviembre en el Palazzo Cavanis en Dorsoduro, también incluye artefactos devocionales italianos prestados por un museo regional.

Todo el trabajo es una continuación de las indagaciones de Tabouret “sobre la formación de la subjetividad y la construcción de la identidad, subrayando fluidez y múltiples niveles de identificación y transformación: del yo, del otro, identidades colectivas, de intentos de comprenderlas en relación con el género y trasfondos culturales, dijo Kathryn Weir, curadora de la muestra con sede en París. ARTNoticias.

«La búsqueda de un curador terminó muy rápido con Kathryn», dijo Martin Bremond, uno de los organizadores de la muestra, en una entrevista con ARTnoticias. “Su trabajo en torno a las performances y la búsqueda de identidad ha sido una parte clave de su investigación curatorial. Ella fue la que pudo conectar el trabajo de Claire con algunas de las ideas clave centrales de la Bienal”.

Para saber más sobre la exposición, ARTnoticias realizó una entrevista con Tabouret y Weir por correo electrónico.

ARTnews: En gran parte del trabajo de Tabouret, sus figuras, a menudo referencias a representaciones de mujeres del pasado vistiendo diversos disfraces, parecen estar en entornos oscuros o estados de flujo. ¿Cómo entra esto en juego en estas obras?

Kathryn Weir: El lenguaje artístico de Tabouret despliega estados de ser alternativos, a menudo misteriosos, y enreda la identidad individual en fuerzas más amplias. Juega con vestuario, maquillaje, marcadores de horror, poder y aventura, promulgando formas de rebeldía y resistencia, en particular de niños contra las ideas de los adultos sobre la infancia y contra las nociones binarias de género. Las máscaras, el maquillaje y los disfraces son recurrentes en la obra de Tabouret, incluidas las máscaras antigás y las mujeres encorsetadas en cuero y sujetas con tacones de aguja; varios trabajos de 2015-16 toman el trabajo de Georges Bataille como punto de partida, en particular la serie Les Étreintes así como retratos orientalistas y exotizados de mujeres de pintores como Delacroix y Gauguin.

En La Pieuvre (2015), la figura femenina suscita asociaciones ambiguas que van desde la monstruosidad hasta el súper héroe y el ritual sadomasoquista. Estos procesos de transformación van más allá de las categorías binarias y crean relaciones alternativas entre los retratados y su entorno.

ARTnews: ¿Cómo se desarrolla el tema de la transformación en las obras expuestas en esta exposición? ¿Cómo se relaciona esto con el autorretrato?

Clara Tabouret: A menudo hay una transformación visible de las figuras en mi trabajo, ya sea a través del vestuario, el maquillaje, los colores artificiales, etc., pero también quiero que el espectador se enfrente a la sensación de cambio. Me interesa el punto en el que una cosa se convierte en otra: quiero suspender ese momento en el tiempo.

Kathryn Weir: El autorretrato es una línea constante de la práctica de Tabouret que captura estados fugaces y transformaciones más profundas. En Autorretrato doble (2020), Tabouret se transforma en una criatura de dos cabezas; Autorretrato como vampiro (2019), donde sus labios están manchados de sangre, hace un colgante inquietante a las representaciones anteriores de Les Mangeurs (2013), bebés con los labios manchados de comida.

ARTnews: La exposición incluye varios artefactos devocionales que datan de hace siglos. ¿Por qué se incluyeron?

Kathryn Weir: En febrero de 2022, la artista dio a luz a su primer hijo, experimentando este desdoblamiento íntimo, lo que Cixous describe como «el lugar del otro» y «el destinatario íntimo que hace posibles y deseables todas las metáforas». Este otro proceso creativo encarnado está suscitando nuevos interrogantes en la práctica de Tabouret en torno a la subjetividad, la carne, la fluidez y la creatividad.

Las dos esculturas exvoto de ‘Madri’ en toba volcánica incluidas en la exposición datan del 6^el–3^rd siglo aC y fueron entregados por las mujeres, en agradecimiento por los hijos que habían dado a luz, a un templo probablemente dedicado a la Mater Matuta, la divinidad itálica prerromana del amanecer y la fertilidad. Fueron descubiertos en Petrara en 1845, cerca de la antigua Capua, en un sitio donde se encontraron inscripciones en elementos arquitectónicos en osco, una lengua itálica del sur de Italia. Las estatuas son representaciones de las mujeres devotas con sus bebés envueltos.

ARTnews: Las figuras son centrales en gran parte de la vitrina, pero van acompañadas de varias esculturas que ocupan espacios vacíos. ¿Qué papel juegan estas estructuras en la exposición?

Clara Tabouret: La Cabane (2009) es un modelo de tienda de campaña o choza, un refugio temporal. Este tipo de estructuras tienden a ser de naturaleza transitoria y efímera. Puedes ver esta referencia también en La carpa de la Comisión de Paz (2010), que representa una tienda de campaña que podría usarse para negociaciones en una batalla u otro conflicto. La ausencia de figuras en estas obras en comparación con otras pinturas de la exposición nos da la sensación de que algo ha pasado aquí, este refugio fugaz ha sido abandonado.

Kathryn Weir: Las casas vacías y otras formas de vivienda sin ocupación humana visible son un tema recurrente en diferentes grupos de pinturas, entre los que destaca el Maison inondéesy en esculturas como La Cabane (2009) y el templo (2021). El eclipse (2017) crea también una atmósfera de suspenso a través de su puesta en escena muy cinematográfica en relación a la acción inadvertida ‘fuera de campo’, quizás el evento astronómico mencionado en el título: la luna, asociada al agua y a la mujer, entra en conjunción con la fuerza del sol y la oscuridad del eclipse es un presagio incierto en una crisis que se avecina.

En El equipo (2016) y El hechizo (2018) vemos varias figuras femeninas en estas poses paralizadas. ¿Estás haciendo referencia a una fotografía o pintura histórica en estas obras?

Clara Tabouret: El punto de partida para El equipo (2016) fue una foto que encontré de un equipo de baloncesto femenino, tomada en la década de 1930. Quería que este trabajo fuera una celebración, honrando a cada miembro del equipo por igual. No hay jerarquía entre las figuras, todas ocupan el mismo espacio y una no es más importante que la otra. Sin embargo, también forman una unidad fuerte y singular que crea una composición imponente y poderosa.

El hechizo (2018) en realidad se basó en una foto de Nadia Comaneci, que es una gimnasta rumana. Siempre me fascinan los gestos y el lenguaje corporal en los deportes, y en la gimnasia sus movimientos de manos parecen una misteriosa coreografía. Sentí como si estuviera lanzando un hechizo o realizando algún ritual secreto. Así que aquí el sujeto se transforma en una figura más extraña y críptica cubriéndola con tela negra y untando su rostro con pintura roja. Quería crear una sensación de inquietud, mientras conservaba su fuerza.