PARÍS (AP) — Jonathan Anderson, al parecer, no puede equivocarse. Los diseños imaginativos y vanguardistas del diseñador norirlandés de Loewe son a menudo reconocidos por los editores de primera fila como uno de los mejores, si no el mejor, que adornan las pasarelas de París en la actualidad.
Y la colección de otoño del sábado, con sus fragmentos rotos de yeso esparcidos por los bordes del set, solo lo confirma. Envió a la casa de herencia española, y a sus invitados VIP, a un mundo descentrado y despojado de viejos maestros, niñez, vulnerabilidad y sueños.
Aquí hay algunos aspectos destacados de las exhibiciones de otoño-invierno 2023-24:
EL GENIO SENSIBLE DE LOEWE
Una pintura desconcertante de un colegial, semidesnudo en ropa interior, con la corbata atada al cuello, reclinado en una pose clásica, dominaba la parte central del teatro de la pasarela en la ronda.
Lo que siguió hizo que el significado del arte fuera más evidente: alas doradas de ángel, botas medievales hundidas de gran tamaño, blusas históricas de seda desabrochadas en la parte posterior, en colores pergamino, terciopelo, cobre y acero.
Anderson se había adentrado en el mundo de los Viejos Maestros, recreando la vulnerabilidad de las obras maestras de las pinturas al óleo de una manera contemporánea, con sensibilidad, estilo y dramatismo visual contenido.
Los looks eran intencionalmente incompletos: torsos desnudos sobre relucientes pantalones cortos dorados sueltos, calzas de color claro con una especie de bragueta, grandes botas de cuero sin pantalones. Este carácter incompleto, crudo y roto de los jóvenes modelos masculinos, al igual que los fragmentos de yeso que crujen bajo los pies de los invitados, le dio a la colección una profundidad emocional, evocando una sensación de vulnerabilidad e inocencia.
Anderson infundió los 48 looks con un surrealismo, controlado por su estética minimalista inquebrantable y su limpio bloqueo de color.
Un top lavanda de seda, reluciente majestuosamente, lucía elementos de drapeado, mientras que sus mangas largas en capas evocaban el estilo de la vestimenta histórica.
¿Las piezas de resistencia? Dos abrigos exageradamente gruesos en color corcho y cerúleo con aire isabelino que estaban remetidos en el dobladillo como un paracaídas y llevados sobre un cuerpo desnudo.
FIESTA DE KENZO
Un music hall de 1,000 asientos con un conjunto de cuarteto de cuerdas, una fiesta posterior donde las bebidas fluían como la Antigua Roma y actuaciones musicales de celebridades que cantaban hasta bien entrada la noche del viernes.
Este era Kenzo en un estado de ánimo seguro, lo que indica que sentía que el nuevo diseñador estaba creciendo en su propio centro de atención.
Ha pasado un año desde que Nigo hizo historia como el primer diseñador japonés en ser nombrado en la casa desde Kenzo Takada, quien murió en 2020.
Y esta colección de otoño lo vio perfeccionar su oficio, ligeramente, saliendo de la sombra del fundador de la casa.
La escena musical fue el corazón de una exhibición con estilos centrados en las subculturas underground de Londres en las décadas de 1960 y 1970, como el punk y los mods. Fue una especie de contraapropiación de Occidente a través de un prisma japonés. (El cuarteto de cuerdas estaba compuesto por artistas japonesas vestidas como los Beatles con trajes claros).
Nigo interrumpió este guardarropa con un vestido tradicional japonés.
Se imaginó una versión de la sastrería británica, una chaqueta beige suelta, con un estilo de kimono cruzado. Los pantalones sartoriales cuyo material podría tener un aspecto adecuado para la ciudad de Londres se convirtieron en una versión de los tradicionales pantalones hakama holgados.
Los estilos preppy, los que chocaron en los últimos dos desfiles de Nigo, estaban más pensados, como una bufanda de niño explorador en punto multicolor, aunque todavía se sentía un poco obvio.
El color deslumbrante que dio un impulso a la ropa de trabajo estadounidense y los detalles utilitarios fueron un buen contrapunto.
