Claude Rutault, un artista francés cuyas pinturas se hicieron de acuerdo con un conjunto riguroso de reglas, murió a los 80 años. Un representante de Perrotin, la galería con sede en París que lo representa, dijo que murió de una enfermedad el sábado.
“Quienes lo conocieron extrañarán su picardía, inteligencia, fuerte personalidad, generosidad y libertad de espíritu, evidentes en su obra”, escribió Perrotin en las redes sociales.
Las pinturas de Rutault cerraron la brecha entre la abstracción de la posguerra y las elevadas ideas de los movimientos artísticos minimalista y conceptualista. Sus obras toman la forma de abstracciones reducidas; muchos de ellos son monocromos. Son el resultado de procesos realizados de acuerdo con estrictas determinaciones escritas por Rutault de antemano.
Debido a que cualquiera puede seguir esas reglas de manera efectiva, Rutault afirmó que nunca hizo sus propios trabajos. También dijo que no se involucró en la exhibición o venta de estas obras, retirándose efectivamente por completo.
El objetivo de este modo de trabajo inusual era perturbar las nociones tradicionales sobre la pintura y cómo se ve. Llamó a sus conjuntos de instrucciones «dé-finition/méthodes», y el espacio o colector que los mostraba como el «tomador de cargo».
“Mi propuesta es salir del contexto pictórico”, dijo en un 2015 entrevista en Violeta. “Alejarse de la pintura. Ir más allá de la insignificancia del monocromo. Para mí, poner cuadros afuera es un espectáculo”.
Claudio Rutault, dé-finition/méthode, “autorretrato en pied”2011.
Cortesía Perrotin
Nacido en 1941 en Trois Moutiers, Francia, Rutault formó parte de una generación de artistas franceses que sometieron la pintura, un medio sagrado históricamente asociado con la originalidad, a medios de producción inusuales. Pintores como Niele Toroni crearon abstracciones repetitivas dictadas por sistemas matemáticos precisos, mientras que el movimiento Supports/Surface se basó en materiales cotidianos para cuestionar los elementos más básicos del medio. Sin embargo, Rutault solía decir que sentía una mayor afinidad con los minimalistas que trabajaban en Nueva York que con estos artistas.
Las obras de Rutault fueron astutas en formas que son menos obvias de lo que parece inicialmente. Una obra exigió a su creador pintar un lienzo del mismo color que las paredes de la galería en la que se encontraba. Otro instó a su vendedor a escalar el precio de la pintura hacia arriba o hacia abajo en relación con las sumas necesarias para comprar bienes raíces locales, según su tamaño.
Las pinturas de Rutault son difíciles de amar debido a su altivez, y esto puede explicar por qué no se han visto con frecuencia fuera de Francia. Antes de que Perrotin montara una exposición de su trabajo en Nueva York en 2014, no había tenido una exposición individual en Nueva York desde 1979, cuando el Centro de Arte Contemporáneo PS1 presentó su arte. Aún así, desde el principio, figuró en importantes espectáculos en importantes lugares franceses como el Musée National d’Art Moderne en París y el Centre Pompidou, así como en las ediciones de 1977 y 1982 de Documenta en Kassel, Alemania.
Aunque su trabajo era muy conceptual, Rutault no creía que careciera de humor.
“No sabes en qué se convertirá mi trabajo”, le dijo al artista Allan McCollum en una conversación que aparece en Entrevista revista. “No sabes de qué color estará pintado. No sabes dónde se mostrará. Hay una parte de alegría y juego, pero también es muy serio en cierto modo”.
