Podríamos haber notado que había algo universal y perversamente relacionado con la música de The Weeknd cuando las canciones de su álbum de 2015 aparecieron en el 50 sombras de Grey banda sonora y fueron nominados a un Premio a la elección de los niños. Pensar que Abel Tesfaye, que saltó a la fama de forma un tanto anónima con mezclas sudorosas sobre Alizé para el desayuno y pastillas que le quemaron el cerebro, algún día llegaría a jugar el Super Bowl habría sido extraño incluso para sus fans. Pero después de un largo lanzamiento de álbumes para 2020 Fuera de horas en el que el cantante tenía la cara maquillada con moretones, sangre y vendajes, allí estaba en la transmisión más vista de 2021, 92 millones de personas sintonizando, luciendo como un cuarto de billón de dólares. Una década después de su ascenso inicial a la fama, había ascendido a la verdadera Chico estrella estado, brillando en un traje de lentejuelas rojas, interpretando éxito tras éxito de su catálogo, el antihéroe del pop ocupando el lugar que le corresponde en el trono.
Fuera de horas fue un disco de pista de baile lanzado cuando todas las pistas de baile estaban bloqueadas, un intento de cerrar la brecha entre una personalidad abatida y el retro-funk de Billboard, coqueteando con ambos impulsos sin comprometerse con ninguno. Sobre amanecer fm, Lanzado esencialmente sin fanfarria, The Weeknd se ha volcado en una fantasía bíblica, fusionando escalofríos y miedo en disco eufórico y R&B de los 80 con apuestas de vida o muerte. Y por primera vez en todas sus crónicas de libertinaje con los ojos muertos, suena un poco asustado al respecto.
Amanecer FM es un álbum conceptual, algo así. En entrevistas, Tesfaye ha dicho que el álbum suena como escuchar una especie de estación de radio contemporánea para adultos mientras estás sentado en un atasco de tráfico en el túnel, solo que el túnel es el purgatorio y la luz al final del túnel es la muerte. En su mayor parte, Tesfaye se gana este marco: no arroja teorías a medias sobre el significado de la vida tanto como incita al temor y el terror inherentes a ella. Llenó las primeras canciones de su carrera con autodestrucción metafórica; en “Gasoline”, canta sobre prenderse fuego: “Son las 5 am/soy nihilista/sé que no hay nada después de esto”, canta con un encantador acento británico, resumiendo sin rodeos toda su discografía. Su picazón anterior era por el olvido drogado, pero Amanecer FM se trata de la aniquilación. Intercalado con su vecino de la vida real Jim Carrey interpretando a un DJ de radio feliz y comerciales de parodia para el más allá, Amanecer FM lleva al Weeknd a un impulso de muerte literal.
Esta arquitectura brinda una cobertura inteligente para que Weeknd experimente más allá de los límites de su trabajo anterior. Canciones pasadas trazaron el curso de una sola fiesta torturada o de una noche frenética, frenética; aquí, opta por más grandeza. Fue productor ejecutivo del álbum junto con la potencia del pop Max Martin y el músico electrónico experimental Daniel Lopatin, también conocido como Oneohtrix Point Never, y los dos funcionan como un demonio y un ángel posados en sus hombros: los efectos brillantes de Martin, las abstracciones y el absurdo de Lopatin, junto con la producción de Calvin Harris. , Swedish House Mafia y su antiguo colaborador Oscar Holter.
El resultado es un sonido singular, con entropía integrada en las pegadizas pistas de baile. Puedes escucharlo en los balidos panorámicos de «How Do I Make You Love Me», el zumbido y la bruma de «Every Angel Is Terrifying», los garabatos electrónicos en «Don’t Break My Heart», antes de que The Weeknd diga una línea inexpresiva. como, “Casi me muero en la discoteca”. Incluso las canciones que suenan más como el clásico de Weeknd, el latido displicente de «Best Friends», la cadencia adyacente al rap que comienza con «Here We Go… Again», están salpicadas de cuerdas chirriantes y sintetizadores retorciéndose. El sonido es decadente porque es muy discordante; cada canción está suntuosamente saturada de peculiaridades instrumentales. Amanecer FM es un álbum cavernoso, y las sorpresas en sus pistas pueden sentirse como cámaras cristalinas escondidas. Una muestra de una canción de pop urbano japonés de 1983 se convierte en una balada reluciente; un miembro de los Beach Boys arrulla los coros mientras Tyler, the Creator aúlla, “Vas a firmar este acuerdo prenupcial”, cuatro veces seguidas.
El álbum funciona mejor cuando The Weeknd sale en espiral. La versión de cinco minutos de «Take My Breath» se extiende en una lucha reluciente: puedes escucharlo luchar por el aire, sus jadeos reverberan sobre el ritmo de zancadas. Negocia límites con un amante en «Sacrifice», alternando entre devoción y desafío; “Cuando lloras y dices que me extrañas, miento y te digo que nunca me iré”, dice entre dientes, pero admite hasta qué punto ya está comprometido. Pasa por la paranoia y los celos, y solo hace promesas cuando se siente amenazado. “Lo único que entiendo es la suma cero de la ternura”, tararea al principio del álbum, y durante gran parte del disco se debate entre articular ese cinismo hacia el romance y derrotarlo, como en la melosa “Starry Eyes”. Es una balada preparada para la catarsis, pero se construye hacia una conclusión débil: «Déjame estar allí para tu corazón», gime, una promesa almibarada que parece surgir de la nada y simplifica demasiado el costo que le cobra.
Aún así, este es el proyecto más ambicioso de The Weeknd en cuanto a sonido y alcance, y el disco más eficaz que ha publicado en años. Parte de la emoción proviene de escucharlo tomarse a sí mismo un poco menos en serio, como el guiño en su voz mientras canta parachoques de identificación de estación en la armonía jazzística requerida. También están todas las pequeñas notas de gracia a lo largo: Quincy Jones que detalla cómo el trauma infantil devastó sus relaciones adultas; el director Josh Safdie recitando una estrofa de «Duino Elegies» de Rilke, murmurando que «La belleza es el terror que soportamos». Esto también podría ser una declaración de tesis para el trabajo de Weeknd: el horror integrado en la compulsión, el miedo a que todo lo que valga la pena se corroa. Pero es la búsqueda de la belleza lo que encanta este álbum, la búsqueda de lo sublime, la voluntad de convertir un rastreo bloqueado hacia la muerte en algo incandescente. “Tienes que estar en el cielo para ver el cielo”, reflexiona Jim Carrey en la pista final del álbum, un sinuoso poema hablado que se desarrolla como una oración. Es un pensamiento encantador, una instrucción y una súplica: abandonar el arrepentimiento, vaciar la vergüenza, sacar felicidad del caos, mientras podamos.
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