A menudo me resulta difícil no pensar en Halloween una vez que comienza octubre, cuando comienzan a aparecer calabazas de plástico, decoraciones espeluznantes y bolsas baratas de dulces en todo Estados Unidos. Si bien Halloween no tiene mucho control sobre la imaginación del público en el Reino Unido, en la edición de este año de Frieze London, que abrió sus puertas ayer para los VIP, una comparación con las festividades características de la festividad de truco o trato no pareció exagerada para los imaginación, con grupos de cuatro o cinco parando en un stand antes de pasar rápidamente al siguiente, con la esperanza de que al menos algunos distribuidores hayan traído algo en lo que valga la pena hincarle el diente.
Esta semana en la ciudad todavía se habla mucho sobre si Londres podrá resistir frente a París, donde se inaugurará la feria francesa de Art Basel la próxima semana. Después de unas breves presentaciones, todo el mundo parece preguntar «¿vas a París?». Como anécdota, muchos parecen estar haciendo ambas cosas. Si bien la carpa Frieze recientemente rediseñada en Regent’s Park no estaba exactamente abultada, había energía en los pasillos. Sólo un puñado de stands estuvieron vacíos durante un tiempo significativo en cualquier momento del día de la inauguración, y los pocos que probablemente sufrieron al ser colocados en rincones alejados de la carpa.
Más importante aún, los comerciantes se presentaron con productos en los que vale la pena pasar el tiempo. A continuación, eche un vistazo a los stands que más merecen la pena en Frieze London 2024, que se extenderá hasta el 13 de octubre.
-
Patrón
Crédito de la imagen: Gabriele Abbruzzese/Cortesía del artista y mecenas.
Como parte del nuevo diseño de Frieze, se colocaron varias galerías de tamaño mediano hacia la entrada y salida de las dos avenidas principales de la carpa, dándoles la oportunidad de captar la atención de los visitantes mientras se dirigían a ver las megas de Hauser & Wirth, Pace , Gagosian y Zwirner, que estaban escondidos en la parte trasera de la tienda. A lo largo de la pared trasera estaba “Humo”, una sección temática organizada por el curador del Museo Hammer, Pablo José Ramírez, que se centraba en obras de cerámica en diálogo con historias indígenas y de la diáspora. La sección en sí merece una visita.
La presentación individual de la galería patrocinadora del artista Noé Martínez, radicado en la Ciudad de México, se destaca no solo por el poder de sus cerámicas sino también por la forma en que se presentan. El arte de Martínez está influenciado principalmente por sus antepasados huastecos del centro-este de México, sus tradiciones espirituales y su cerámica. Las figuras en sí son de tamaño modesto, pero tienen un peso metafísico potente. Están expuestos en el suelo, sobre montículos de arena, lo que, para el visitante descarado, exige agacharse e interactuar con ellos de una manera ligeramente reverencial. La práctica del artista tiene como objetivo activar los espíritus de sus antepasados, según el director asociado de la galería, Luciano Medrano, quien agregó: «El pasado sólo puede vivir si el presente intenta animarlo».
-
Tiwani Contemporáneo
Crédito de la imagen: Cortesía del artista y Tiwani Contemporary.
El mundo del arte puede tomarse a sí mismo demasiado en serio, a menudo en detrimento de las personas que podrían amar el arte pero que se sienten intimidadas por el mundo del arte en general. Eso no es un problema para el artista Umar Rashid, a quien, según Adelaide Bannerman de Tiwani Contemporary, “le encanta jugar con narrativas históricas. [by] recontando la historia del imperio y el colonialismo” con su propio toque caricaturesco. su foto Terror en los Alpes (2024) es un disturbio, tanto en un sentido cómico como violento. Los invasores del espacio, volando sobre los Alpes suizos, descienden en lo que parece ser un almuerzo campestre colonial. Un rayo de luz traslúcido ataca a un compañero a caballo. Quizás él y su peluca empolvada pronto sean sometidos a todo tipo de sondeos a bordo del platillo volante. Una joven negra, vestida con un vestido rosa y sosteniendo un cubo de Kentucky Fried Chicken, se encuentra con relativa calma en el centro de esta caótica escena, mientras, al fondo, soldados con fajas rojas apuntan inútilmente sus mosquetes a las naves alienígenas. Buena suerte con eso, chicos. Pero en el stand no todo son risas. Emma Prempeh Del atardecer al amanecer (2024) es una meditación sobre el hogar y los recuerdos de las personas en la diáspora que agrega un toque de seriedad e intimidad a una presentación dinámica.
-
gagosiano
Crédito de la imagen: Maris Hutchinson/©Carol Bove/Cortesía de Gagosian
La grandiosidad de la presentación individual de Gagosian de nuevas obras a gran escala de Carol Bove es difícil de expresar con palabras. Es menos un stand y más una declaración. Las esculturas altas, esbeltas y orientadas verticalmente miden tres metros de altura en el medio de la sección final de la tienda. Al menos, parece un punto medio. El stand no tiene paredes, por lo que las esculturas, como pretendía el artista, tienen espacio para respirar, una especie de bosque de metal en bruto, salpicado de tubos amarillos brillantes de acero inoxidable triturado. Es fácil reunirse y aún más fácil tomarse una selfie, casi todos los que se encontraban a menos de 15 pies del stand lo estaban haciendo. Esa gran atención no pudo haber pasado desapercibida para David Zwirner, cuyo stand (con las paredes adecuadas y todo) estaba directamente frente al de Gagosian; El mes pasado, Bove dejó Zwirner por Gagosian después de una relación de 12 años con la galería. Ya sea que eso estuviera en su mente o en la de la galería cuando Gagosian planeó su presentación de Frieze, ¿quién puede decirlo? Pero no hay duda de que el no stand de Gagosian tiene descaro.
-
Lehmann Maupin
Crédito de la imagen: Henry Nicholls/AFP vía Getty Images
Una pincelada rápida aquí, una pequeña marca allá. Eso es lo que verá en el stand de Lehmann Maupin, donde el pintor británico Billy Childish trabaja lienzo tras lienzo. Cuando termina uno, dos asistentes preparan otros en este estudio improvisado. Para acercarse, algunos visitantes pasaron por encima de la escalera de madera de Childish o se apoyaron en su banco de trabajo cubierto de pintura, de aspecto antiguo. “A Billy le encanta el público”, me dijo uno de los representantes de la galería, “y muchas veces trabaja de esa manera, muy intuitivamente, muy rápido, sigue el ritmo de la feria. Y alguien ya compró el cuadro que está terminando ahora”.
Puede que haya sido un poco llamativo, pero ¿no es eso de lo que se trata una feria de arte? Capta la atención y conviértela en una venta. «Leí que Picasso trabajaba de la misma manera: simplemente alineaba los lienzos y caminaba de uno a otro hasta que estaban todos terminados», añadió el representante. La comparación es exagerada, pero Childish y el maestro español tienen algo en común: ambos pueden despertar el interés del espectáculo.
-
Michael Werner
Crédito de la imagen: ©Hurvin Anderson/Cortesía de Michael Werner Gallery
Hay mucho que admirar en el stand de Michael Werner. Un AR Penck brillante y contundente de 1981, Zeichen der Realität – Realität der Zeichen (Signo de Realidad – Realidad de los Signos)muestra los símbolos criptográficos característicos de Penck en rojo brillante sobre sensuales raspaduras y manchas de color púrpura, ambos realzados por el fondo blanco brillante. Está el óleo de Issy Wood sobre terciopelo, espeleología (2024), un estudio en textura brillante.
Pero el verdadero premio es uno de los primeros trabajos de Hurvin Anderson, SS Booker T. Washington (1996). Es una pintura engañosamente simple del barco homónimo de la Segunda Guerra Mundial, rodeado de andamios mientras se encuentra en el puerto. Los ecos de una gran ciudad flotan en el fondo brumoso. Pero como las mejores obras de la feria, su narrativa impulsa la imagen a otro plano. La obra está inspirada en una pintura de Michael Andrews con un tema similar (Anderson es un gran admirador), pero el barco de Andrews se cambia por uno de los 17 buques de guerra de la Marina de los EE. UU. encargados durante la Segunda Guerra Mundial que fueron bautizados con los nombres de afroamericanos influyentes, como Washington. Es una valiosa meditación sobre ambos aspectos de la historia negra y la historia de la pintura británica.
-
Timothy Taylor
Crédito de la imagen: Foto Sebastiano Pellion di Persano/Cortesía de Timothy Taylor
Podría decirse que el enfoque multicultural de Frieze London de este año se sintetiza mejor en la presentación individual de Timothy Taylor de nuevas obras de Paul Anthony Smith. Smith es un artista nacido en Jamaica y radicado en Nueva York cuyas pinturas de paisajes contemporáneos no revelan ningún sentido de género o identidad. Sin embargo, son narrativa y visualmente ricos una vez que empiezas a prestar atención. Desde la distancia, la obra parece vistas planas de flores y malezas demasiado crecidas en cualquier jardín público invadido de la ciudad de Nueva York. Son coloridos, incluso hermosos, con una cualidad indómita inherente a los espacios públicos abandonados.
Tras una inspección minuciosa, estos lienzos tienen sus propias montañas y valles de textura hechos a partir de los enérgicos golpes de barra de aceite de Smith. A menudo, las flores están cubiertas por una valla metálica ligeramente desenfocada, como es el caso de muchos de los parques públicos de Nueva York que no se tienen en cuenta. Esta realidad también puede verse como una metáfora de las barreras y restricciones que enfrentan los jóvenes negros en Nueva York, especialmente cuando se trata de acceder a espacios destinados al público. «Es una especie de comentario sobre el sueño americano», dijo Ross Thomas, director de la galería. «Existe un lugar muy hermoso al que siempre te cuesta llegar, pero una vez que llegas allí, raspas esta hermosa capa de barra de aceite y te quedas con el estacionamiento muerto y seco debajo».
