El pasado mes de abril, apenas unas semanas antes de la inauguración de Dak’Art, la bienal más grande y de más larga trayectoria de África, el Ministro de Cultura senegalés pospuso abruptamente el evento citando el malestar derivado de la reciente agitación política en torno a la propuesta del ex presidente de posponer las elecciones nacionales.
El excepcionalismo democrático de Senegal en un continente plagado de golpes militares estaba en juego. Los manifestantes prendieron fuego a neumáticos y lanzaron gases lacrimógenos. En medio de tanto caos, los preparativos para la bienal continuaron mientras cientos de obras de arte llegaban del extranjero para su debut en Dakar.
Un pronunciamiento tan precipitado fue ciertamente incómodo. Coleccionistas, artistas y curadores de todo el mundo habían hecho planes de viaje que no podían cancelarse convenientemente. De hecho, la postergación sorprendentemente tardía recordaba curiosamente el intento del expresidente de reprogramar las elecciones nacionales.
Pero, de la misma manera que los ciudadanos de Senegal habían salido a las calles en defensa de la democracia, la comunidad creativa se unió en solidaridad con las artes y anunció más de 200 eventos en toda la ciudad en las semanas siguientes. La compilación frenética, a menudo deliciosa y en ocasiones rigurosa de exposiciones, paneles y fiestas que siguió marcó un momento decisivo en el impulso autónomo del arte contemporáneo africano.
Las actividades se organizaron rápidamente a través de una cuenta de Instagram recién creada, #theoffison, que luego se cambió a #thenonoffison, indicativa de la espontaneidad enérgica que alimentaba el evento. Los espacios públicos emergentes de todo tipo ofrecían un estudio en contraste con la austeridad del antiguo Palacio de Justicia, que había servido como centro de gravedad oficial de la bienal en años anteriores. Los lugares iban desde grandes centros culturales afiliados al estado hasta rincones únicos de la metrópolis: un club social de élite solo para mujeres con un terreno privilegiado frente al mar, por ejemplo, que era casi imposible de localizar entre las nuevas construcciones y los vehículos abandonados.
Esta edición no bienal, con muchas exposiciones que permanecerán en exhibición hasta septiembre, difiere significativamente de las 14 ediciones anteriores de Dak’Arts. [the biennial] “Visité el lugar hace dos años y ya tenía una idea de la calidad y el compromiso de los espacios”, comentó la artista Zohra Opoku. “Casi no se podía reconocer que la sede principal de la Bienal Dak’Art no formaba parte de ella”.
Si bien Dak’art se originó, en parte, para desestabilizar la división entre el centro y la periferia, esta última versión extendió ese gesto un paso más allá. ¿Qué podría ser menos desestabilizador que una Bienal que no se celebra fuera de la ciudad en un centro del Sur Global del mundo del arte?
En medio de la panoplia de medios artísticos representados por #thenonoffison, hubo una tendencia pronunciada hacia la fotografía, el video y el trabajo textil. De hecho, el video y la fotografía a menudo se superponían creativamente sobre tela u otros materiales no tradicionales. La organización sin fines de lucro Raw Material, con sede en Dakar, montó una exposición individual para Opoku, “With Every Fiber of (my) Being” (Con cada fibra de (mi) ser), que mostraba textiles africanos colgando del borde de impresiones fotográficas a gran escala. La muestra estuvo acompañada por una mesa redonda con sala llena en la que la artista abordó la importancia de la tela en el desarrollo del arte contemporáneo africano. En esta conversación, Opoku destacó la especificidad de la tradición textil ghanesa en relación con su propia identidad diaspórica. Otros panelistas abordaron formas significativas en las que las tradiciones textiles difieren entre los contextos nacionales africanos. Opoku señaló que esas discusiones matizadas sobre el trabajo textil “no son una prioridad en los sistemas educativos de Occidente”. De hecho, la exuberancia DIY de #nonoffison sería difícil de retratar solo con imágenes: tenías que estar en Senegal.
Otra importante organización sin fines de lucro de Dakar, Black Rock Senegal, montó la ambiciosa exposición “Encuentros” para mostrar el trabajo creado en los últimos dos años por los artistas que participaron en su programa de residencia en Dakar. El fundador de Black Rock, el artista estadounidense Kehinde Wiley, se vio envuelto en cargos de agresión sexual poco después de la inauguración de la muestra, pero todo esto pareció no tener relación con su exposición individual simultánea en el Museo de las Civilizaciones Negras en Dakar, un punto destacado de #nonoffison. La exposición de la residencia Black Rock abarcó cuatro grandes galerías y varios nichos de proyección improvisados, con docenas de transferencias de imágenes fotográficas sobre tela, ladrillo, piedra, aluminio y plástico. Si se hubieran proporcionado textos en las paredes, estos enfoques diversos para materializar conceptos visuales podrían haber sido más conmovedores. Sin embargo, la fuerza de la exposición al explorar la relación entre la fotografía y la materialidad representó un alejamiento de las prácticas de pintura y escultura figurativas que dominaron las iteraciones anteriores de Dak’Art.
Esto no quiere decir que los medios artísticos tradicionales no estuvieran representados, o que la historia del arte senegalés no estuviera en diálogo con las últimas tendencias. Uno de los lugares más elegantes de la #thenonoffison fue la casa de Ousmane Sow, un artista famoso por sus esculturas figurativas a gran escala realizadas con materiales humildes como barro, resina y arpillera. Sow, a menudo llamado el «Rodin de Senegal», aprovechó su conocimiento íntimo del cuerpo humano, adquirido durante años de trabajo como fisioterapeuta, para crear sus formas monumentales, ahora en exhibición permanente en la casa-estudio-museo que el artista construyó con sus propias manos. Para #thenonoffison, se invitó al pintor senegalés contemporáneo Aliou «Badu» Diack a mostrar un conjunto de obras que respondían al legado de Sow. Esto tomó la forma de la exposición «Pilgrimage», una serie de pinturas abstractas realizadas con pigmentos orgánicos ensambladas en las paredes interiores que rodean la casa de Sow, invitando al espectador a rendir homenaje a la escultura a través de una especie de peregrinación circular.
“Pilgrimage” contó con el apoyo de la galería OH de Dakar, que presentó dos de las mejores exposiciones de #thenonoffison en su espacio comercial: muestras individuales de los veteranos artistas senegaleses Viyé Diba y Soly Cissé. Para “Textile Archives”, Diba adornó paneles a gran escala con cientos de capullos delicadamente ensamblados de tela reciclada puntuados por bandas de retazos de tela similares a volantes que recordaban a la carnicería La tradición de las alfombras. Estas composiciones se relacionan con el interés que el artista tiene desde hace mucho tiempo por la gestión de los recursos globales, así como con la importancia central de los textiles para las tradiciones religiosas de toda África. Sin embargo, sin ese contexto, la vitalidad y la gracia de estas abstracciones sugieren mariposas que podrían posarse en cualquier momento.
La Galería OH exhibió simultáneamente los dibujos al carbón de Cissé en “El mundo perdido”, un atolladero monocromático de figuras embrujadas reunidas en Horror al vacío A medida que la práctica del artista fue evolucionando, presenciamos una transición desde este trabajo temprano a un vocabulario twomblyesco de marcas ansiosas y fragmentos lingüísticos inescrutables. No fui el único en apreciar la sensibilidad de Cissé: una pareja de académicos de los EE. UU. compró una pequeña pieza en los primeros diez minutos de su visita a la galería.
A diferencia de muchas bienales, en las que las obras expuestas no se pueden comprar, #thenonoffison fue un evento de ventas. En varias ocasiones, artistas y galeristas, evidentemente aliviados, me dijeron que la iniciativa había sido un éxito financiero.
El galerista Christophe Person, que vive en París, me contó su decepción inicial al saber que una de sus artistas, Ghizlane Sahli, había sido seleccionada para la parte oficial ON de la Bienal y había gastado “una enorme cantidad de energía preparando la instalación que se iba a mostrar”. Sin embargo, después de contactar a otros posibles participantes de la bienal y reconocer que había un gran impulso a favor de los eventos OFF, Person siguió adelante con una muestra grupal de seis personas que combinaba las exquisitas obras textiles de Sahli con pinturas y fotografías de toda África Occidental.
Si la bienal oficial hubiera salido como estaba previsto, Person habría expuesto sólo a tres artistas. En su enérgica renovación curatorial, expuso el doble de esa cantidad y los seis artistas vendieron sus obras.
Los notables logros de Senegal en el contexto del arte africano poscolonial están indeleblemente vinculados al apoyo estatal liberal, establecido como piedra angular del desarrollo de la nación por el primer presidente del país, Léopold Senghor. Pero incluso sin financiación estatal, #theonoffison parecía prosperar. Person y Sahli, junto con muchos otros galeristas, artistas y coleccionistas, eran rostros conocidos de la anterior Feria de Arte 1-54 en Marrakech, lo que sugiere que la retirada del apoyo estatal hizo poco por aplastar el entusiasmo de los verdaderos creyentes. El hecho de que esta ecología creativa pudiera prosperar más allá de los marcos de financiación institucional seguramente enorgullecería a Senghor.
