Frank Stella, artista pionero que llevó la abstracción al límite, muere a los 87 años

Frank Stella, un artista que llevó la abstracción hacia nuevas direcciones y definió una era con sus “Pinturas negras” de la década de 1950, murió el sábado a los 87 años. New York Times informó que había estado luchando contra un linfoma.

Stella fue uno de los muchos artistas que respondieron al crecimiento del expresionismo abstracto en los años de la posguerra. Sus pinturas de repuesto, realizadas como respuesta a ese movimiento, fueron particularmente desafiantes, ya que no contenían color alguno y no estaban destinadas a proporcionar estimulación visual de ninguna manera. Como le dijo al escultor minimalista Donald Judd, hablando de su propio trabajo: «Lo que ves es lo que ves».

Llegaría a redefinir la pintura una y otra vez durante las décadas de 1950 y 1960. En un movimiento subversivo, ya que su trabajo se había acercado a una forma de abstracción de grado cero, sus pinturas se volvieron máximas, con combinaciones sorprendentes de colores dispuestos en patrones deslumbrantes. También produjo lienzos con formas que rompieron el medio de sus confines rectangulares y lo trasladaron al ámbito de la escultura.

En las décadas posteriores, el arte de Stella ha crecido cada vez más, y el artista ha realizado esculturas de enorme escala. Estas esculturas, alternativamente llamativas y hermosas, asaltan los sentidos con sus rebeldes combinaciones de acero, fibra de vidrio y más.

Los críticos no siempre han respondido positivamente al arte de Stella después de la década de 1960, pero de todos modos su obra ha sido considerada parte integral de la historia del arte estadounidense del siglo XX. Se le ofreció una retrospectiva en el Museo Whitney de Nueva York en 2015.

Adam Weinberg, curador de esa exposición de Whitney, escribió en el catálogo de la muestra que Stella se destacaba por “su impulsividad, su disposición a correr riesgos, su deseo de separarse del grupo y de hacer las cosas a su manera; su compromiso de utilizar las herramientas que tiene a mano; y su perseverancia en resolver un problema”.

«Un gigante del arte abstracto de posguerra, la extraordinaria obra de Stella, en perpetua evolución, investigó las posibilidades formales y narrativas de la geometría y el color y los límites entre la pintura y la objetividad», dijo su representante en Nueva York, Marianne Boesky Gallery, en su anuncio sobre la fallecimiento del artista.

Son las “Pinturas negras” de Stella las que siguen siendo sus obras más famosas. Con estas pinturas, Stella utilizó una paleta mayoritariamente negra, dividiendo sus espacios vacíos con líneas blancas que se aplicaron mediante sistemas geométricos. Con su lógica matemática, su pincelada precisa y su apariencia generalmente poco atractiva, las “Pinturas Negras” marcaron una ruptura radical con el expresionismo abstracto, que privilegiaba la aleatoriedad, la originalidad artística y las grandes declaraciones sobre la naturaleza de la humanidad. Por el contrario, las “Pinturas Negras” parecían no decir nada intencionalmente.

Las “Pinturas Negras” eran provocativas, y no sólo porque parecían muy diferentes de casi todo lo demás hasta ese momento. Uno de los más famosos, ¡Muere Fahne hoch! (1959), tiene un título que se traduce del alemán como “¡Levanten la bandera!”, en alusión a un canto nazi. El hecho de que este inquietante punto de referencia no contenga ninguna relación explícita con lo representado sólo aumenta la calidad insensible del lienzo.

Ese trabajo y otros similares aparecieron en “Sixteen Americans”, una exposición del Museo de Arte Moderno de 1959-60 que también presentó arte de Robert Rauschenberg, Ellsworth Kelly y más, lo que prácticamente afirma el estatus de Stella como un talento importante que vale la pena observar. Tenía sólo 23 años en ese momento.

Apenas unos años antes, Stella había sido estudiante en la Universidad de Princeton y pintaba expresionismo abstracto ligero. Había comenzado a sentirse fatigado con todo lo relacionado con ese movimiento y a sentirse desapasionado hacia la pintura en general. Pero no quería divorciarse por completo de la historia del arte, un campo al que sentía cierta lealtad.

Miró a Manet y Zurbarán y encontró en sus obras aspectos que quería emular. Como dijo una vez el propio Stella: «No puedes ser un buen competidor… si no tienes una verdadera comprensión y respeto por tu oponente».

Frank Stella nació en 1936 en Malden, Massachusetts. Sus padres le inculcaron el gusto por el arte desde temprana edad: una madre que pintaba en su tiempo libre y había ido a la escuela de diseño, y un padre que era ginecólogo en ejercicio. Stella asistió a la Academia Phillips en Andover, donde tomó clases de arte junto a futuras estrellas como Hollis Frampton y Carl Andre, a quienes no conocía bien en ese momento pero que luego contaría entre sus amigos cercanos.

Stella no consideraba que el arte fuera una carrera viable, por lo que asistió al programa de historia de Princeton con la intención de centrarse en la Edad Media. Sin embargo, pudo tomar clases de historia del arte y recibió educación sobre pintura europea y desarrollos contemporáneos en la escena de Nueva York. Se graduó en 1958.

El mismo año, Stella vio las pinturas de banderas de Jasper Johns en la Galería Leo Castelli de Nueva York y quedó sorprendida por el hecho de que se trataba de una forma apropiada para el medio. Las “Pinturas Negras” comenzaron poco después y Stella aceptó la invitación para participar en “Sixteen Americans” del MoMA a instancias de Castelli.

Las “Pinturas Negras” pueden haber parecido atrevidas para la época, pero Stella no retrocedió en sus obras venideras. Comenzó a utilizar pintura de aluminio que, a diferencia del aceite, no se consideraba un medio común para el arte; estaba más asociada con el revestimiento de radiadores y cosas similares. Stella dijo que lo adoptó porque la pintura de aluminio era «barata y disponible».

Stella, siempre una artista intrépida, nunca se contentó con formular su arte. Sus lienzos moldeados de los años 60 se alejaron de las “Pinturas Negras” y continuaron confiando en composiciones rayadas pero cambiando esos tonos oscuros por colores dramáticos. Estos lienzos están fuera de lugar, con bordes arqueados y muestras diagonales que parecen cortadas. La “Serie Transportador” de finales de los años 60 llevó ese conjunto de obras a su cúspide, llenando lienzos semicirculares con deformaciones entrelazadas de naranja, negro, azul y más.

Luego, Stella viró en una dirección completamente diferente, creando híbridos de pintura y escultura barrocas que complementaron los extraños contornos de los lienzos con elementos que vuelan por todas partes. Algunas eran vagamente alusivas: en los años 80 hizo todo un grupo de piezas dedicadas a Herman Melville. Moby Dick, a veces incluyendo partes onduladas que albergaban elementos abstractos. Pero muchas más obras eran menos representativas.

A muchos observadores no les importaron mucho estas piezas, viéndolas como una forma de venderse. El historiador de arte Douglas Crimp, por ejemplo, una vez calificó obras de arte similares como “pura idiotez” y escribió que “cada una de ellas se lee como una rabieta, un chillido y un balbuceo de que el fin de la pintura No ha venido.”

Eso no hizo mucho para herir el ego de Stella. «Crecí con los críticos y la historia del arte, así que ese es el único mundo que conocía», dijo en un artículo de 2015. ARTnoticias perfil. “Así que, de nuevo, de nuevo, eso no me importó mucho. Ese era su trabajo y yo tenía el mío propio. Me sentí bastante cómodo”.

Hasta el final, Stella realizó obras gigantescas, algunas de las cuales utilizaron tecnología digital en su producción. Escaneaba objetos que le intrigaban y luego los expandía gradualmente hasta alcanzar proporciones imponentes.

Estos a menudo han parecido gestos extraños para un artista que, según muchos, alguna vez intentó matar la pintura, pero todas estas obras estaban unidas por el deseo de entrar en contacto con nuestra realidad. Sus objetos escaneados eran a veces aquellos que encontró en la naturaleza: una vaina encontrada en el Jardín Botánico de Nueva York, por ejemplo; sus “Pinturas Negras” tenían como objetivo hacer que su medio volviera a la tierra. Hablando de su elección de empezar a utilizar pintura de aluminio, lo expresó de forma sencilla: estaba interesado en “los hechos de la vida”, dijo.