La curiosidad infinita de Yasuaki Shimizu ha alimentado décadas de incansables esfuerzos creativos. Cuando era niño, aprendió a tocar varios instrumentos: violín, clarinete, piano, guitarra, percusión, pero terminó con el saxofón como su principal vehículo de expresión. Ornette Coleman y Rahsaan Roland Kirk influirían en su forma de tocar, pero absorbió toda la educación musical que pudo. Radio en mano, marcaba desde su casa en el campo japonés para escuchar sonidos de todo el mundo: chanson y flamenco, rock y canzone, música de África y música de Oriente Medio. Le encantaba todo, pero podía caminar fácilmente hasta los arrozales cercanos y deleitarse con los insectos que orquestaban su propia canción. Nada estaba fuera de los límites, lo que significaba que todo podía inspirar. A medida que crecía, las tiendas de discos locales importaban más sonidos del extranjero. Sin embargo, nunca se atrevió a emularlos: “[I] no tenía ningún interés en imitar a ese genio. una vez confeso. “Lo percibí más como una forma de expandir mi propio vocabulario sonoro”. Estaba decidido a labrarse su propio camino.
A fines de la década de 1970, la voracidad musical de Shimizu le permitió trabajar en una variedad de modos. el era parte de duro-bop y jazz fusion conjuntos, contribuyeron a discos clásicos de pop urbano como el de Taeko Ohnuki Ducha de sol y Minako Yoshida Monocromoy produjo álbumes pop para cantantes como yumi murata y Noemí Akimoto. Estaba The Saxophonettes, originalmente concebido como un proyecto en solitario para crear interpretaciones malhumoradas de los estándares del jazz americano. También tenía su banda Mariah, que sirvió como un campo de pruebas especialmente productivo: sus cuatro discos contienen de todo, desde épicas de rock progresivo hasta exotismo de ensueño, locuras de la nueva ola y brillantez del art-pop. Los LP bajo su propio nombre son numerosos, pero Kakashi y Música para comerciales son los más destacados: el primero es una cristalización emocionante de sus inclinaciones melódicas más pop, mientras que el segundo es una colección de viñetas ambientales que se siente como un prototipo.donas. En algún lugar en medio de todo esto está kirenun álbum de estudio inédito de 1984. Otro testimonio de su ambición desenfrenada, es fascinante tanto para los recién llegados como para los fanáticos veteranos.
kiren destaca por algo más que su sonido. A diferencia de la mayoría de los lanzamientos de Shimizu, no estaba destinado a un sello discográfico. En cambio, fue el producto de la libertad que tuvo mientras colaboraba con Aki Ikuta, el difunto productor que fue fundamental para el sonido de su música. Puedes escuchar sus ideas innovadoras en “Momo No Hana”. Comienza con un pasaje extenso de ambiente mareante antes de que Shimizu agregue ruidos adicionales para subvertir las expectativas: tonos de sintetizador agudos, un gruñido espectral y un ruido que suena como un sonido deformado. Banjo-Kazooie línea de voz. Luego hay un instrumento que recuerda su afición por la música clásica india, y luego un loop plunderfónico que anticipa el de Oneohtrix Point Never. Réplica sorprendentemente bien. “Ore No Umi” es igual de desconcertante. Tiene este bucle de guitarra vulgar en la parte baja de la mezcla. Una marimba entra en silencio, y luego la canción avanza con un pulso minimalista. Al igual que los pastiches glam-rock que se encuentran en los primeros discos de Mariah, «Ore No Umi» prospera con un guiño juguetón, aunque aquí está con un riff de Steve Reich: Shimizu se aproxima a sus ideas para un solo elemento en este tapiz de ritmos en capas. Anclada por un ritmo que cae y ráfagas de saxo, es una representación triunfante y divertida y reveladora del ingenio de Shimizu.
