Ashbalkum

Desde que un amigo en común presentó a los músicos electrónicos con sede en Seúl Uman Therma (también conocido como Sala) y Yetsuby (también conocido como Manda) en 2018, los dos, conocidos colectivamente como Salamanda, han estado creando juntos un mundo finamente detallado. Su nombre proviene de un dibujo de una salamandra que hizo Therma, y ​​titularon su sencillo debut de 2019 “nuestra guarida”—un suave boceto para pads pulsantes y flauta de pan sintetizada—como un guiño al hogar imaginario de los anfibios. Lanzaron ocho sencillos más en su primer año, desarrollando los contornos atmosféricos de su universo musical con elementos ambientales, minimalismo clásico y japonés. kankyō ongaku, y su construcción mundial se ha vuelto más fantasiosa a partir de ahí. Enmarcaron su primer EP, 2020’s jaula de cristal, que estrenaron en los primeros meses de la pandemia, como una alegoría de un pájaro en una jaula invisible; su álbum de 2021 Esfera se inspiró en formas bulbosas, «como tomates hervidos o el planeta Tierra, o tal vez burbujas», dijo Sala.

Los hilos comunes que atraviesan toda su música hasta ahora han sido su espíritu lúdico, su estado de ánimo caprichoso y su aire ligeramente psicodélico, y fresnopublicado en el sello de Nueva York/Ciudad de México tono humano, hace bien en todas esas cualidades. Sus 10 pistas están construidas alrededor de instrumentos de mazo, tambores pitter-pat y sintetizadores suavemente redondeados, tan luminosos y suaves al tacto como un puñado de cristales de playa. El paisaje sonoro meditativo de Hiroshi Yoshimura es una piedra de toque obvia; también lo son los ritmos melodiosos, adyacentes a la pista de baile, de compañeros de viaje de ambient-techno como Leif y el cofundador de Human Pitch tristán arp.

Salamanda tiene un sonido simple que tuercen en una agradable variedad de configuraciones. La «Overdose» de apertura es techno dub minimalista unido a partir de gotas de lluvia y suspiros; “Melting Hazard” hace girar vibráfonos y arrullos en mechones de algodón de azúcar; “Rumble Bumble” recorre un tambor de mano y lo que podría ser una muestra vocal de un disco etnográfico antiguo en un funk suelto. No hay grandes cambios con respecto al sonido de sus grabaciones anteriores, pero han enfatizado sus tendencias puntillistas de maneras sutiles pero importantes: prefieren sonidos nítidos y claramente delineados que sugieren palos que golpean objetos pequeños y duros: bloques de madera, campanillas, xilófono. —y cada sonido parece flotar en una burbuja de espacio negativo.

La diferencia más notable entre fresno y sus predecesores radica en el uso de voces en el álbum. Prácticamente todas las pistas cuentan con algún tipo de voz, aunque no hay una sola palabra identificable pronunciada en todo el disco; en cambio, pista tras pista está adornada con cintas de arrullos y chirridos: el borde ooh de “Peligro de fusión”; el hipo acelerado de “Coconut Warrior”, que sugiere una banda de versiones de Boards of Canada dirigida por roedores muy inteligentes; las florituras en colores pastel de “Living Hazard”, que podría ser un coro a cappella frotando los bordes de las copas de vino. Todas estas voces curiosamente tratadas, más el maullido felino de “Mad Cat Party (feat. Ringo the Cat)”, ayudan a reforzar una sensibilidad ingenua que culmina en las voces de los niños y el sonido de caja de música del cierre “Catching Tails”. Al igual que Aphex Twin y Nobukazu Takemura, Salamanda intuye las formas en que las tendencias lisérgicas de la música electrónica pueden redirigirse para capturar un espíritu de asombro infantil. El título del álbum es una palabra inventada que se basa en una frase coreana que significa, más o menos, «Ah, joder, es un sueño». Pero en fresnoEl mundo de ‘s, no hay despertares rudos; cada pista conduce más profundamente a un estado de felicidad surrealista.